UNA CHICA TIENE QUE RESPIRAR. LA VIDA DE TERESA WRIGHT

La actriz Teresa Wright (1918-2005) vivió una vida plena, compleja y magnífica en el contexto de la época dorada de Hollywood, Broadway y la televisión. 

Su infancia, sorprendentemente difícil —de hecho, aterradora—, no auguraba el éxito que vendría después, ni la aclamación y admiración universales que la acompañaron en todas partes. Sus dos matrimonios —con los escritores Niven Busch (El cartero siempre llama dos veces; Duelo al sol) y Robert Anderson (Té y simpatía; Nunca canté para mi padre)— aportan gran parte del drama, la calidez, la intensidad y la angustia de su historia.

Muriel Teresa Wright (27 de octubre de 1918 - 6 de marzo de 2005) fue una actriz estadounidense. Ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto en 1942 por su papel de Carol Beldon en La señora Miniver . Fue nominada al mismo premio en 1941 por su debut en The Little Foxes. También en 1942, recibió una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Actriz por su actuación en El orgullo de los Yankees , junto a Gary Cooper . También es conocida por sus actuaciones en La sombra de una duda (1943) de Alfred Hitchcock y en Los mejores años de nuestra vida (1946) de William Wyler .

Wright recibió tres nominaciones a los premios Emmy por sus actuaciones en la versión televisiva original de The Miracle Worker (1957), de Playhouse 90 , en la película The Margaret Bourke-White Story (1959), del programa Sunday Showcase de la NBC , y en la serie dramática de la CBS Dolphin Cove (1989). Recibió el reconocimiento de destacados directores de cine, entre ellos William Wyler , quien la calificó como la actriz más prometedora que había dirigido, y Alfred Hitchcock, quien admiraba su minuciosa preparación y su discreta profesionalidad.

Muriel Teresa Wright nació el 27 de octubre de 1918 en la ciudad de Nueva York, hija de Martha Espy y Arthur Hendricksen Wright, agente de seguros. Sus padres se separaron cuando era niña. Creció en Maplewood, Nueva Jersey , donde asistió a la escuela secundaria Columbia . Tras ver a Helen Hayes protagonizar Victoria Regina en el Teatro Broadhurst de Nueva York en 1936, Wright se interesó por la actuación y comenzó a interpretar papeles principales en obras escolares.

En otoño de 1939, Wright comenzó una participación de dos años en la obra teatral " Vida con Padre" , interpretando el papel de Mary Skinner. Fue allí donde la descubrió Samuel Goldwyn , quien fue a verla en el espectáculo en el que había estado actuando durante casi un año. Goldwyn recordaría más tarde su primer encuentro con ella entre bastidores:

La señorita Wright estaba sentada en su tocador y parecía una niña pequeña experimentando con los cosméticos de su madre. Descubrí en ella, desde el primer momento, podría decirse, una autenticidad y un atractivo sin afectación. 

Goldwyn contrató inmediatamente a la joven actriz para el papel de la hija de Bette Davis en la adaptación de 1941 de The Little Foxes , de Lillian Hellman , y le firmó un contrato de cinco años con los Estudios Goldwyn. Afirmando su seriedad como actriz, Wright insistió en que su contrato contenía cláusulas únicas para los estándares de Hollywood:

La mencionada Teresa Wright no estará obligada a posar para fotografías en traje de baño a menos que esté en el agua. Tampoco podrá ser fotografiada corriendo por la playa con el pelo al viento. Tampoco podrá posar en ninguna de las siguientes situaciones: en pantalones cortos, jugando con un cocker spaniel; cavando en el jardín; preparando una comida; ataviada con petardos y cohetes en la mano para el 4 de julio; mirando insinuantemente a un pavo para el Día de Acción de Gracias; con un gorro de conejo con orejas largas para la Pascua; brillando sobre nieve artificial con un traje de esquí mientras un ventilador sopla su bufanda; adoptando una postura atlética mientras simula golpear algo con un arco y una flecha. 

En 1941, Wright fue nominada al Óscar a la Mejor Actriz de Reparto por su debut cinematográfico en The Little Foxes . Al año siguiente, volvió a ser nominada, esta vez a Mejor Actriz de Reparto por The Pride of the Yankees , donde actuó junto a Gary Cooper como la esposa de Lou Gehrig . Ese mismo año, ganó el Óscar a la Mejor Actriz de Reparto como la nuera del personaje de Greer Garson en Mrs. Miniver . Wright es la primera de solo nueve actores que han sido nominados en ambas categorías en el mismo año. Sus tres nominaciones al Óscar y una al Óscar en sus tres primeras películas son únicas. Sigue siendo la única intérprete que ha recibido nominaciones al Óscar por sus tres primeras películas. 

En 1943, Wright apareció en la aclamada película de Universal "La sombra de una duda" , dirigida por Alfred Hitchcock , interpretando a una joven que descubre que su querido tío (interpretado por Joseph Cotten ) es un asesino en serie. Hitchcock consideraba a Wright una de las actrices más inteligentes con las que había trabajado y, a través de su dirección, resaltó su vivacidad, calidez e idealismo juvenil, características poco comunes en las heroínas de Hitchcock. En 1946, Wright ofreció otra actuación notable en " Los mejores años de nuestra vida" , de William Wyler , una película premiada sobre la adaptación de los militares que regresan a casa tras la Segunda Guerra Mundial. El crítico James Agee elogió su actuación en "La nación" :

Esta nueva interpretación suya, completamente carente de escenas grandilocuentes, trucos o estridencias —difícilmente se puede considerar actuación—, me parece una de las obras más sabias y hermosas que he visto en años. Si la película no tuviera ninguno de los cientos de otros atractivos que posee, podría verla una docena de veces solo por esa personalidad y su maestría. 

Cuatro años después, aparecería en otra historia sobre veteranos de guerra, The Men (1950) de Fred Zinnemann , protagonizada por Marlon Brando en su debut cinematográfico. En 1947, Wright apareció en el western " Perseguidos" junto a Robert Mitchum . El melancólico "western freudiano" fue escrito por su primer marido, Niven Busch . Al año siguiente, protagonizó " Encantamiento" , una historia de dos generaciones de amantes en romances paralelos. Wright recibió excelentes críticas por su actuación. Newsweek comentó: "La señorita Wright, una de las mejores de la pantalla, brilla como la Cenicienta que cautivó a tres hombres". Y The New York Times concluyó: "Teresa Wright actúa con ese arrebato deslumbrante y mirada brillante que tan notablemente domina". 

En diciembre de 1948, tras rebelarse contra el sistema de estudios que la había llevado a la fama, Wright tuvo una disputa pública con Samuel Goldwyn, que resultó en la cancelación de su contrato con el estudio. En una declaración publicada en The New York Times , Goldwyn alegó como razones su negativa a publicitar la película Enchantment , su falta de cooperación y su negativa a seguir instrucciones razonables.En su respuesta escrita, Wright negó las acusaciones de Goldwyn y no expresó arrepentimiento por haber perdido su contrato de 5.000 dólares semanales.

Quisiera decir que nunca me negué a prestar los servicios que se me exigían; no pude hacerlo por problemas de salud. Acepto la rescisión de mi contrato por parte del Sr. Goldwyn sin protestar; de hecho, con alivio. Los contratos estandarizados en la industria cinematográfica entre actores y productores son arcaicos en su forma y absurdos en su concepto. Estoy decidido a no asociar mi nombre con otro... He trabajado para el Sr. Goldwyn durante siete años porque lo considero un gran productor, y me ha pagado bien, pero en el futuro trabajaré con gusto por menos si así puedo conservar las decencias comunes sin las cuales el trabajo más glorioso se vuelve intolerable. 

Años después, en una entrevista con The New York Post , Wright recordó: «Iba a ser Juana de Arco , y lo único que demostré fue que era una actriz que trabajaría por menos dinero». Por su siguiente película, The Men (1950), en lugar de los 125.000 dólares que había cobrado antes, recibió 20.000. 

En la década de 1950, Wright apareció en varias películas sin éxito, entre ellas The Capture (1950), Something to Live For (1952), California Conquest (1952), The Steel Trap (1952), Count the Hours (1953), The Actress (1953) y Track of the Cat (1954), nuevamente frente a Robert Mitchum . [ cita requerida ] A pesar del pobre desempeño en taquilla de estas películas, Wright generalmente era elogiada por sus actuaciones. [ 3 ] Hacia el final de la década, Wright comenzó a trabajar con más frecuencia en televisión y teatro. Recibió nominaciones al Premio Emmy por sus actuaciones en la versión televisiva original de Playhouse 90 de The Miracle Worker (1957) y en la película de Breck Sunday Showcase The Margaret Bourke-White Story (1960). [ cita requerida ] En 1955, interpretó a Doris Walker en la nueva versión de The 20th Century-Fox Hour de la película de 1947 Milagro en la calle 34 , junto a MacDonald Carey y Thomas Mitchell . En 1957, protagonizó en Broadway la obra " La oscuridad en lo alto de las escaleras", de William Inge . Dirigida por Elia Kazan , la obra tuvo 468 funciones.

El 8 de febrero de 1960, Wright fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood con dos estrellas: una por películas en 1658 Vine Street, y otra por televisión en 6405 Hollywood Boulevard. 

En la década de 1960, Wright regresó a los escenarios neoyorquinos con tres obras: Mary, Mary (1962) en el Teatro Helen Hayes, en el papel de Mary McKellaway; I Never Sang for My Father (1968) en el Teatro Longacre, en el papel de Alice; y Who's Happy Now? (1969) en el Teatro Village South, en el papel de Mary Hallen. Durante este período, realizó giras por Estados Unidos con producciones teatrales de Mary, Mary (1962); Tchin-Tchin (1963), en el papel de Pamela Pew-Picket; y The Locksmith (1965), en el papel de Katherine Butler Hathaway. Además de su trabajo teatral, Wright hizo numerosas apariciones en televisión a lo largo de la década, incluidos episodios de The Alfred Hitchcock Hour (1964) en CBS, Bonanza (1964) en NBC, The Defenders (1964, 1965) en CBS y CBS Playhouse (1969). En 1975, Wright apareció en la reposición de Broadway de Death of a Salesman , y en 1980, apareció en la reposición de Morning's at Seven , por la que ganó un premio Drama Desk como miembro del conjunto destacado.

Apareció en "El Crucero del Amor ", temporada 6, episodio 11, "Una Presencia Navideña", como la Hermana Regina, quien frustra el plan de un estafador para contrabandear oro robado moldeado como un belén pintado. El episodio se emitió el 18 de diciembre de 1982. En 1989, recibió su tercera nominación al Premio Emmy por su actuación en la serie dramática de CBS Dolphin Cove . [ cita requerida ] También apareció en "Se ha escrito un crimen", en el episodio "Las vacaciones del Sr. Penroy". Su último papel en televisión fue en un episodio de la serie dramática de CBS Picket Fences en 1996. 

Las apariciones cinematográficas posteriores de Wright incluyen un papel importante en Somewhere in Time (1980), la abuela en The Good Mother (1988) con Diane Keaton y su papel final como Miss Birdie en The Rainmaker (1997) de John Grisham , dirigida por Francis Ford Coppola .

Wright estuvo casada con el escritor Niven Busch de 1942 a 1952. Tuvieron dos hijos: un hijo, Niven Terence Busch, nacido el 2 de diciembre de 1944; y una hija, Mary-Kelly Busch, nacida el 12 de septiembre de 1947. Se casó con el dramaturgo Robert Anderson en 1959. Se divorciaron en 1978, pero mantuvieron una relación cercana hasta el final de su vida.

En su última década, Wright vivió tranquilamente en su casa de Nueva Inglaterra, en Bridgewater, Connecticut , en el condado de Litchfield , apareciendo ocasionalmente en festivales y foros de cine, así como en eventos relacionados con los Yankees de Nueva York. En 1996, recordó a Alfred Hitchcock en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo , y en 2003, apareció en la gala de los Premios de la Academia en un segmento dedicado a los ganadores del Óscar. 

Su hija, Mary-Kelly, es autora de libros para niños y jóvenes. Wright tiene dos nietos, uno de los cuales, Jonah Smith, coprodujo las películas de Darren Aronofsky , Pi (1998) y Réquiem por un sueño (2000). En 1998, Smith acompañó a Wright en su primera visita al Yankee Stadium , donde fue invitada a lanzar el primer lanzamiento ceremonial. Su aparición en Pride of the Yankees despertó su interés por el béisbol y la llevó a convertirse en aficionada de los Yankees.

Teresa Wright falleció el 6 de marzo de 2005 tras sufrir un infarto a los 86 años en el Hospital Yale-New Haven de Connecticut. Donó su cuerpo a la Facultad de Medicina de Yale antes de ser enterrada en el Cementerio Evergreen de New Haven. 

Cuando se anunció la lista de ex jugadores de los Yankees que habían fallecido en el Día del Veterano el 5 de julio de 2005, se leyó el nombre de Wright entre los jugadores de béisbol y los miembros de la familia de los Yankees.

A Girl's Got to Breathe: The Life of Teresa Wright de Donald Spoto se publicó en febrero de 2016. Spoto fue un amigo cercano de Wright durante más de 30 años, y su familia le dio acceso exclusivo a sus documentos y correspondencia. 

Wright obtuvo una beca para el Teatro Wharf en Provincetown , Massachusetts, donde fue aprendiz durante dos veranos. Tras graduarse de la escuela secundaria en 1938, se fue a Nueva York, acortó su nombre a "Teresa Wright" y fue contratada como suplente de Dorothy McGuire y Martha Scott para el papel de Emily en la producción teatral de Thornton Wilder de Our Town en el Teatro Henry Miller .  Wright asumió el papel cuando Scott se fue a Hollywood para filmar la versión cinematográfica de la obra.

EL LADO OSCURO DEL GENIO: LA VIDA DE ALFRED HITCHCOCK

Esta es la biografía definitiva de Alfred Hitchcock, el enigmático e intensamente reservado director de Psicosis, Vértigo, La ventana indiscreta, Los pájaros y más de cuarenta películas más. 

Al tiempo que describe cada etapa de la larga vida y brillante carrera de Hitchcock, Donald Spoto también explora las raíces de su obsesión por las rubias, la comida, el asesinato y el amor idealizado, y rastrea su incomparable y peculiar genio desde su infancia inglesa hasta los años dorados de su carrera en Estados Unidos, convirtiéndose en uno de los directores más importantes de la historia del cine.

MARILYN MONROE. LA BIOGRAFIA

La biografía de Spoto sobre Marilyn Monroe, ícono de Hollywood, se basa en más de 150 entrevistas y más de 35.000 páginas de archivos previamente confidenciales, incluyendo diarios, cartas y otros documentos personales y reveladores de Monroe. 

El libro revela nuevos detalles de cada aspecto de su vida, desde su infancia reservada y sus relaciones con hombres y matrimonios, hasta su misteriosa muerte. 

Spoto comenta libros anteriores sobre Marilyn y despeja dudas sobre la conexión de Monroe con los Kennedy.

MARLENE DIETRICH: EL ÁNGEL AZUL

Es un minucioso ejercicio de desmitificación que explora los límites entre la persona real y el producto manufacturado de Hollywood. Spoto aborda la vida de la actriz berlinesa desde sus duros orígenes en la Alemania de entreguerras hasta su reclusión final en París, desarmando la estudiada puesta en escena de una de las leyendas más andróginas, magnéticas y enigmáticas del siglo XX.

 

El libro destaca por su rigor periodístico y su acceso a abundante material de archivo e entrevistas. Spoto no se deja cegar por el fulgor de las luces de la Paramount; por el contrario, examina con precisión quirúrgica cómo Marie Magdalene Dietrich se convirtió en "Marlene", un producto de su propia ambición, disciplina e ingenio técnico.

El autor divide la obra en varias etapas cruciales: sus inicios teatrales y el destape erótico en el Berlín de los años veinte, su salto al estrellato internacional con El ángel azul (1930) y su posterior empaquetamiento en Hollywood bajo el ala de Josef von Sternberg, su férrea postura política frente al nazismo (etapa en la que cantó para las tropas aliadas y renunció a su ciudadanía alemana), y sus últimos años como diva itinerante en Las Vegas y teatros mundiales. La prosa de Spoto es fluida pero carente de romanticismo azucarado; expone con crudeza la tiranía de la vejez sobre un mito sostenido exclusivamente en base a la ilusión óptica, la iluminación perfecta y la cirugía estética.

 

 Marlene Dietrich (El Mito frente a la Realidad): Es retratada como una contradicción viviente. Por un lado, poseía una asombrosa valentía política (antifascista incorruptible) y una maestría técnica inusual: controlaba su propio vestuario, maquillaje y, de forma casi obsesiva, la luz de los planos cinematográficos para esculpir su rostro. Por el otro, Spoto la describe como un ser profundamente egocéntrico, calculador, dictatorial y emocionalmente distante. Su gran historia de amor no fue con sus múltiples amantes (tanto hombres como mujeres), sino con la cámara y la proyección de su propia imagen.

• Josef von Sternberg (El Pigmalión): El director de cine austriaco que la descubrió y moldeó su alter ego en la pantalla. Spoto analiza su relación no solo como una colaboración artística sin parangón, sino como un juego malsano de codependencia. Von Sternberg la endiosó mediante claroscuros y filtros, pero también pretendía dominarla, creando un monstruo de glamour que eventualmente superó al propio director, dejándolo atrás cuando ella decidió tomar las riendas creativas totales de su carrera.

• Rudolf Sieber y Tamara Matul (El Matrimonio de Fachada): "Rudi", el eterno esposo de Marlene con quien tuvo a su única hija (Maria Riva), representa la estrambótica estructura familiar que la actriz controlaba a golpe de talonario. Dietrich financió económicamente durante décadas tanto a su marido como a la amante de este, Tamara ("Tami"). Spoto analiza cómo Marlene necesitaba mantener este núcleo sumiso y obediente para limpiar su imagen pública de mujer de "vida disoluta" y asegurar un hogar estable de cara a la prensa de la época.

• Los Amantes (Gary Cooper, Jean Gabin, Yul Brynner, Frank Sinatra, etc.): Spoto dedica páginas memorables a desgranar sus affairs. Lejos de idealizarlos, los analiza como trofeos de una mujer que utilizaba la seducción andrógina y el poder de su estatus para coleccionar afectos, de los cuales se aburría con rapidez en cuanto exigían una intimidad real o una vulnerabilidad que ella no estaba dispuesta a mostrar.

La conclusión que se extrae del exhaustivo análisis de Donald Spoto es que la fama extrema es una prisión de espejos. El autor logra demostrar con éxito que Marlene Dietrich dedicó la segunda mitad de su existencia a ser una caricatura o un "autómata" de la criatura que inventó en su juventud.
El valor de la biografía reside en que no destruye el mito, sino que explica su precio. Marlene pagó su inmortalidad cinematográfica con una profunda soledad y una vejez amarga, recluida en un apartamento de París donde prefería no ser vista para que el mundo no descubriera que la carne y el hueso habían envejecido, mientras que la emulsión del celuloide permanecía intacta. Spoto nos deja con la radiografía de una mujer indomable y brillante, pero víctima de la gran mentira que ella misma fabricó a base de humo, espejos y luces cenitales.

 Ha recurrido a material de archivo y realizado decenas de entrevistas para presentar una biografía repleta de nuevos detalles cruciales: sus dificultades y luchas por el reconocimiento en el Berlín de la década de 1920; su transformación en una diosa de la pantalla; su entretenimiento para las tropas aliadas durante la Segunda Guerra Mundial; y su etapa como cantante de club nocturno en la década de 1950. 

Spoto también incluye relatos de sus amoríos con Yul Brynner, Maurice Chevalier, Gary Cooper, Douglas Fairbanks, Jr., Eddie Fisher, el general George S. Patton, Erich Maria Remarque, Frank Sinatra y John Wayne.

 

GRETA GARBO: UNA ESTRELLA DIVINA

Desmitifica y profundiza en la vida de una de las leyendas más enigmáticas del cine de Hollywood. A diferencia de otras obras tradicionales de la época, Bret utiliza material inédito, cartas y anécdotas de círculos íntimos para abordar las facetas ocultas de la actriz, incluyendo sus orientaciones personales y su rol secreto en eventos mundiales. 

 

En el sistema de estudios, dominado por los hombres, Greta Garbo ejercía un poder que ninguna otra actriz ha poseído jamás, ni antes ni después. Ya fuera productora, directora, amante o periodista, Garbo mandaba, y cuando decidió que había terminado con el torbellino de la vida como la niña mimada de Hollywood, se retiró por completo, dejando a su público rogando por un bis que nunca llegó. 

 

 El libro destaca por el control absoluto que Greta Garbo ejerció sobre su propia carrera dentro de un sistema de estudios fuertemente dominado por hombres. Bret guía al lector desde sus humildes orígenes en Estocolmo como Greta Gustafsson hasta su ascenso como la máxima estrella de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM).

El mayor valor de la obra reside en la investigación de dos periodos ausentes y misteriosos en su biografía:

1. El misterio de finales de los años 20: La repentina desaparición de Garbo de las pantallas durante meses, lo que obligó a la MGM a contratar a una doble de cuerpo para ocultar lo que Bret argumenta con pruebas que fue un embarazo.

2. Su papel en la Segunda Guerra Mundial: El libro detalla cómo Garbo colaboró activamente con el Servicio de Inteligencia Británico utilizando su fama para identificar y rastrear a simpatizantes nazis en círculos de la alta sociedad.

Bret analiza también sus películas fotograma por fotograma a partir de los rollos originales sin censura, retratándola no como una ermitaña débil, sino como una mujer ferozmente independiente que decidió retirarse a los 36 años simplemente porque "ya había tenido suficiente" del torbellino de la fama.

 

Greta Garbo: Rompe con el mito de la "víctima solitaria" o de la mujer fría e inaccesible (la "Esfinge Sueca"). El libro la retrata como una estratega brillante de su propia imagen. Usaba el silencio y su famosa frase "Quiero estar sola" como armas de negociación corporativa. Bret subraya su dualidad: vulnerable en su entorno privado pero implacable frente a los ejecutivos de la industria cinematográfica.

  
John Gilbert: Tradicionalmente catalogado por Hollywood como "el gran amor de su vida". Sin embargo, el análisis de Bret deconstruye esta idea. Gilbert es presentado más bien como un catalizador de la pasión en pantalla y una relación intensa pero tormentosa que Garbo rechazó formalmente en el altar debido a su pánico a perder la libertad personal e independencia económica.

 
El Círculo Íntimo (Mercedes de Acosta y Mimi Pollack): El libro otorga un peso fundamental al círculo privado y predominantemente LGBT que rodeaba a la actriz. Figuras como la escritora Mercedes de Acosta o su amor de juventud Mimi Pollack son analizadas como los verdaderos soportes emocionales de Garbo. A través de ellos, Bret demuestra que la sexualidad fluida y la necesidad de discreción de Garbo respondían al miedo de ser destruida por la estricta moral de la época.

 

Los Altos Mandos de MGM (Louis B. Mayer y los "Studio Bullies"): Actúan como las fuerzas antagonistas del relato. Representan el sistema opresivo que intentaba moldear, comercializar y explotar la vida privada de sus estrellas. La narrativa demuestra cómo Garbo fue una de las poquísimas figuras que logró doblegarlos sistemáticamente exigiendo control sobre sus guiones y directores.

Aunque existen numerosas biografías de Garbo, esta es la primera que investiga a fondo los dos supuestos periodos perdidos en la vida de la más enigmática de las estrellas de Hollywood. También analiza en detalle las copias originales sin censura de las películas de Garbo —con la excepción de La Divina Mujer, de la que no se conserva ninguna copia completa— y ofrece pruebas sustanciales de que John Gilbert no fue, de hecho, el gran amor de su vida. Más bien, sus verdaderos afectos se centraban en los miembros gays, sáficos y escandinavos de su círculo íntimo. 

Utilizando material inédito, junto con anécdotas de amigos y colegas inéditas, David Bret pinta un retrato completo de la infancia de Garbo en Suecia, su ascenso al estrellato y su breve reinado como reina de la MGM. La suya es una historia verdaderamente extraordinaria, narrada aquí con calidez, intensidad y una perspectiva única.

Greta Garbo: Divine Star concluye con una tesis clara: el misterio de la actriz no fue una pose publicitaria, sino un mecanismo de supervivencia. David Bret logra desmantelar la narrativa superficial del Hollywood dorado para revelar a una mujer moderna nacida en la época equivocada.
La conclusión del análisis nos deja ver que el prematuro retiro de Garbo no fue un acto de cobardía ni de decadencia, sino su última y más grande declaración de autonomía. Al alejarse de las cámaras en la cúspide de su belleza y éxito, Garbo preservó su mito intacto y recuperó la propiedad de su vida personal. El libro es indispensable porque humaniza al ícono sin restarle ni un ápice de la fascinación divina que siempre la rodeará.

LANA: LA DAMA, LA LEYENDA, LA VERDAD

Es la autobiografía sincera de una de las máximas divas del Hollywood clásico: Lana Turner. Escrito con el propósito expreso de desmentir los mitos, rumores y falsedades que la prensa de chismes construyó a su alrededor durante décadas, el texto se convierte en una catarsis y en una crónica íntima sobre el precio de la fama, los abusos de los grandes estudios y las turbulentas relaciones afectivas.

La obra adopta un enfoque cronológico lineal muy ágil que transporta al lector desde su origen humilde como Julia Jean Mildred Frances Turner hasta su fortuito descubrimiento a los 15 años en una cafetería de Sunset Boulevard (desmitificando la famosa leyenda urbana de la heladería Schwab's).

 Lana se retrata a sí misma no como una víctima pasiva, sino como una mujer resiliente pero emocionalmente ingenua. Su talón de Aquiles fue la constante necesidad de ser amada, lo que la llevó a tomar decisiones apresuradas en el plano sentimental. El libro expone cómo fue despersonalizada por la maquinaria de Hollywood, convirtiéndose en el arquetipo de la femme fatale en el cine (como en El cartero llama dos veces) mientras que en su vida cotidiana acumulaba soledad y traumas.

El núcleo del libro equilibra perfectamente la fascinación del glamour corporativo de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) con la desgarradora realidad de su vida privada. Turner no se guarda nada: detalla sus ocho matrimonios, sus adicciones, abortos secretos orquestados por ejecutivos del estudio para proteger su imagen pública, y el devastador escándalo de 1958 en el que su hija adolescente, Cheryl Crane, apuñaló mortalmente al gánster Johnny Stompanato para defenderla de una paliza. A nivel literario, el libro destaca por un tono honesto, a ratos humorístico y a ratos trágico, logrando que el lector empatice con el ser humano detrás del icono de la pantalla.

¿A qué edad una mujer se convierte en leyenda?

Lana Turner se planteó esta pregunta tras décadas de éxito, escándalos, romances, matrimonios y maternidad, y no pocos desamores. Mucho después de su extraordinaria carrera, un público que la adora sigue fascinado por una mujer que, sin duda, fue la personificación de una estrella de cine de Hollywood. Inmensamente talentosa e igualmente hermosa, Lana vivió una vida glamurosa al máximo, alcanzando la fama y experimentando todo lo que ello conlleva, tanto lo bueno como lo malo.

La historia de los primeros años de Lana es prácticamente la de Cenicienta: una chica descubierta en una tienda de refrescos a los quince años que se convirtió en estrella de la noche a la mañana. De rubia despampanante a reina de la taquilla de los años 40, Lana llevó una vida vertiginosa marcada por ocho matrimonios y un juicio por asesinato que la convirtió a ella y a su hija en infames.

 Cheryl aparece en el relato como el vínculo más genuino y doloroso de la vida de Lana. Crecer bajo la sombra de una estrella y en hogares inestables la expuso a dinámicas adultas destructivas a una edad muy temprana. Cheryl simboliza las consecuencias del torbellino mediático de Hollywood. Su intervención en la noche del homicidio de Stompanato la define ante el público, pero el análisis de Lana en el libro profundiza en el trauma posterior, la culpa materna y el proceso de reconstrucción de su relación filial. Cheryl es el recordatorio de la vulnerabilidad de la infancia atrapada en la opulencia y el peligro.

La muerte de Johnny Stompato en 1958 fue uno de los escándalos más sonados de la historia de Hollywood, y la verdad sobre el caso sigue siendo objeto de acaloradas controversias.  Johnny Stompanato fue un Gánster vinculado a la mafia de Mickey Cohen, Stompanato entra en la vida de Lana bajo una fachada de galán atento, transformándose rápidamente en un extorsionador violento y celoso. Representa la toxicidad, el peligro físico y psicológico, y la pérdida de control. En el texto, Stompanato encarna el parásito de la fama; un hombre que usaba el terror y el abuso físico para someter a una de las mujeres más poderosas del cine. Su presencia en el libro expone la desprotección de las estrellas de la época frente a la violencia de género, un tema que los estudios preferían ocultar bajo la alfombra del glamour.

Las notables memorias de Lana se publicaron originalmente en 1982. Esta nueva edición incluye una introducción de la presentadora y autora de Turner Classic Movies, Alicia Malone.

Turner relata sus primeros años de vida, creciendo en Wallace, Idaho , y San Francisco , seguidos de su descubrimiento a los 16 años en Hollywood por William R. Wilkerson . Recuerda diversas anécdotas y experiencias personales como estrella en ascenso de la Metro-Goldwyn-Mayer , así como sus numerosos romances, matrimonios y abortos espontáneos . También narra el asesinato de Johnny Stompanato en 1958 a manos de su hija, Cheryl Crane , durante una pelea doméstica, seguido de su posterior carrera en cine y televisión.

Lana: La dama, la leyenda, la verdad trasciende la categoría de simple biografía de celebridad para convertirse en un importante documento sociológico sobre la Era Dorada de Hollywood. El análisis del libro revela que el verdadero conflicto narrativo no radica en los hombres con los que se casó o en los escándalos que protagonizó, sino en la lucha sistemática de una mujer por recuperar su propia voz frente a una industria que la consumió y un público que la juzgó sin piedad.

La gran lección y conclusión de sus memorias es que la "leyenda" es una prisión de celuloide. Al desnudar su verdad, Lana Turner logró humanizarse, demostrando que detrás de las luces de la MGM existía una mujer con una resiliencia inquebrantable que sobrevivió a sus propios mitos.

ELIZABETH TAYLOR

Elizabeth Taylor ha convertido la supervivencia en un arte y durante medio siglo su rostro nos ha cautivado. Ha cambiado nuestras ideas sobre el erotismo, comportándose como un camaleón que cambia de color sin parar. Esta joven princesa de la pantalla representó las fantasías de cada hombre y las esperanzas de toda mujer. La mujer fuerte y sensual ayudó a cambiar la moral de su época, pero esta diva de los escenarios no parecía preocuparse por lo que los demás pensáramos de ella y esa actitud aumentó nuestra devoción hacia Liz. 

Conseguía vivir en la pantalla un mundo mucho mayor e intenso que el nuestro y con la sinceridad de su mirada nos hacía creer que era uno de nosotros. Interpretó cientos de papeles, tan diferentes como lo eran su propia vida, al mismo tiempo que luchaba por encontrar el amor y encajaba los golpes que la vida le daba. Como una superviviente nata, se recuperó una y otra vez, reconociendo que en la vida había tenido de todo: suerte, dolor, momentos de alegría, malos ratos, bajando y subiendo en la línea de la existencia como si fuera un yo-yo, aunque sacando de cada experiencia algo positivo que la ayudase a ser feliz. 

Ella nunca quiso escoger el camino fácil de la queja, del rencor y del deseo de devolver el daño que la habían causado. Muy al contrario, empleaba positivamente cada revés del destino, lo asimilaba, y lo convertía en algo positivo, en una experiencia gratuita de la cual sacaba cosas muy clarificantes para su futuro. Lo importante, decía, era enfocar las contrariedades positivamente, como si fueran algo que te va a fortalecer, en lugar de a quebrar.