EDIT PIAF Y LA CANCIÓN DEL AMOR

«La felicidad se paga con lágrimas». Édith Piaf.

París, 1944: Tras el fin de la ocupación alemana, la cantante Édith Piaf es acusada de colaboración y teme que le prohíban actuar. Mientras intenta demostrar su inocencia, conoce a Yves Montand, un joven cantante torpe pero talentoso. Édith comienza a trabajar con él, y pronto los dos chansonniers se enamoran. La felicidad al lado de Yves inspira a Édith a escribir una canción que podría convertirla en leyenda: «La Vie en Rose».

Édith Piaf, personificó el coraje de amar como ninguna otra y llegó al extremo en su arte y en la vida.

Hija de un acróbata normando que la abandonó nada más nacer, decisión tomada tras reflexiva pirueta con la ayuda del alcohol al que era bastante aficionado, y de una cantante ambulante italo-bereber, Édith Piaf (Edith Giovanna Gassion) nació el 19 de diciembre de 1915 bajo una farola de la calle Bellevile, a la altura del número 72, en la ciudad de París, mientras su madre intentaba llegar al hospital para dar a luz. A los pocos días, también ella, a quien las ataduras no le parecían propias de un alma libre, la dejó con su abuela, una mujer argelina procedente de la Cabilia, quien le llenaba el biberón de vino, en vez de leche, para eliminar así los posibles microbios… Pero poco tiempo estuvo en compañía de esta entrañable señora, pues, con la escusa de no tener suficientes medios para poder alimentarla, se la entregó a su padre, el cual, tras otra increíble pirueta, esta vez pergeñada por el destino, de nuevo la volvió a abandonar, aunque por un motivo algo más noble que el anterior, ya que se marchaba al frente para defender la patria de los malvados alemanes quienes pretendían invadirla durante la Primera Guerra Mundial, así que la deposító en el regazo de la abuela paterna, la cual regentaba con gran maña y artificio una casa de prostitución en la localidad de Bernay, en Normadía, donde, curiosamente, conoció la niña por primera y posiblemente única ocasión el amor maternal, no de una, sino de varias madres, pues todas las prostitutas se hicieron cargo de la pequeña y la alimentaron y cuidaron con cariño y dedicación. Sin embargo, poco dura la alegría en casa del pobre, y acabada la guerra vuelve el padre solícito dispuesto a hacerse cargo de su descendiente y decide educarla en la gran escuela de la vida haciéndola trabajar en miserables circos ambulantes y cantando por las calles por unas mezquinas dadivas, siguiendo los pasos artísticos de su madre, que de casta le viene la raza al galgo. Y esta fue la infancia dudosamente ejemplar e intachable, aunque pocos negarán su aventurera originalidad, de una de las más gloriosas voces de la música francesa y mundial…

Y a la edad de 17 años conoció a su primer amor, un chico de los recados con quien tuvo una niña que murió a los dos años a causa de meningitis. Pero no todo tenían que ser desgracias en su vida, además poseyendo tanto talento, esa increíble voz, tanta fe en sí misma, tanta decisión y fuerza y, si todo lo anterior era poco, la ayuda incondicional de Louis Leplée, dueño y director de uno de los más conocidos cabarets de París, Le Gemy’s, quien la descubrió tras haberla escuchado en la calle y a la que no dudó ni un segundo en contratarla y lanzarla a la fama grabando su primer disco con la firma Polydor, “Les Mômes de la cloche”, bautizándola con el nombre de “La Môme Piaf” por su frágil apariencia: 

A los catorce años decide que ya está preparada para enfrentarse por sí misma al mundo y abandona al sacrificado padre quien cae en el desconsuelo y la desesperación privado de su mayor medio de sustento y borracheras. Edith se gana la vida dejando ver su arte en la Place Pigalle, a los pies de Montmartre, donde pululaba una vida bohemia de pintores y poetas y por donde se dejaba caer, de vez en cuando, algún mecenas dispuesto a arriesgar sus cuartos en la búsqueda de la gloria, y el beneficio. Así lo dejó bien claro cantado en su canción de 1939 “Elle Fréquentait la Rue Pigalle”:

Pero todo son moscas a perro flaco y en abril de 1936 Louis Leplée fue asesinado en casa de Edith, lo cual causó un gran revuelo y ella cayó en desgracia, perdiendo la protección de su mecenas y debiendo volver a su antigua vida de cantante callejera o actuando en cabarets de la más baja estofa. Sin embargo, como Dios aprieta, pero no ahoga, el sol volvió a brillar para ella de la mano del compositor Raymond Asso, quien la convierte en su amante y la lanza a la fama como cantante de Music Hall componiendo para ella canciones de éxito como “Mon lègionnaire”, en 1937.

Su debut fue todo un éxito. Era un día de marzo de 1936, mientras los vientos olían a tormenta de guerra por las tierras del Sur, cuando el público parisino y posteriormente, el del resto de Francia, gracias a la radio, se enamora de una mujer toda voz y sensibilidad. En 1940 se lanza al teatro y el Bobino se llenan para escuchar y ver a la magnífica cantante que se hizo a sí misma en las calles de Paris en un obra de Jean Coctaeu titulada, “La Bel Indiférent”, con la que debutaba como actriz. Y al siguiente año, al cine, de la mano de Georges Lacombe, interpretando la película “Montmartre-sur-Seine”. Pero la tormenta guerrera progresa hacia el Norte y toda Europa invierte sus fuerzas en derramar la sangre de sus hijos, son malos tiempos para la lírica, como muchos años después diría un grupo español. Edith cambia su nombre artístico de “La Môme Piaf” por el definitivo de Edith Piaf y, durante la ocupación alemana, sigue su carrera artística, si cabe, con más empeño y presta su voz a canciones con doble sentido contra los invasores y a favor de la resistencia francesa, o protegiendo a artistas judíos de la persecución nazi. De esta época es “Tu es partout”, donde habla de amor y traición.

En 1944, con veintinueve años, Edith debuta en el local más representativo del planeta del music hall, el Moulin Rouge, donde conoce al cantante y futura estrella de la música francesa Yves Montand, seis años más joven que ella, de quien se enamora y decide hacerlo su protegido, compartiendo ambos giras y éxitos hasta que se separan definitivamente en 1946. Dos años antes Edith había escrito uno de sus más grandes temas que se ha convertido en un clásico y del que se han realizado versiones de todos los tipos y colores, me refiero a “La vie en rose”.

Pero su carrera sentimental sólo acaba de empezar y se promete larga y repleta de aventuras… En 1947 cruza el Atlántico para realizar un gira por los Estados Unidos y en Nueva York se enamora del boxeador francés Marcel Cerdan, campeón mundial de peso medio, con quien vive su más grande historia de amor. Edith vuelve a París y el promete reunirse con ella cuando concluyan sus compromisos deportivos en América, pero no lo hará nunca, pues, por un capricho del destino, su avión sufre un accidente cuando volaba hacia Francia y él muere en el accidente. Edith, quien en verdad jamás le hizo ascos a nada, se vuelve adicta a la morfina buscando el olvido de tanto sufrimiento, sin embargo, en un momento de lucidez surge el “Hymne à l’amour” en memoria de su amado. E intentando sacar un clavo con otro clavo, comienza su desfile de amantes, todos bastante más jóvenes que ella. En 1951 contrata nada menos que a Charles Aznavour, de veintisiete añitos, como secretario, chófer y acompañante. Un año más tarde contrae matrimonio con otro cantante francés, Jacques Pills, de quien se separa en 1956. Durante ese tiempo intentó dejar su adicción a las drogas, lo que le da suficiente fuerza para convertirse en una estrella del music hall norteamericano al triunfar en el Carnegie Hall de Nueva York. Tras la separación de su esposo conoce a Georges Moustaki, otro jovenzuelo de 23 años al que lanza a la fama como cantautor y con quien tuvo un grave accidente de coche del que le quedarían secuelas en la salud y la recaída en las drogas. Por ese tiempo graba otra de sus más reconocidas canciones, “Milord”.

A finales de la década de los cincuenta la salud de Edith estaba muy deteriorada, sin embargo, continúa con sus actuaciones y el público de medio mundo la seguía adorando. Un primer aviso le llega durante una actuación en Nueva York, donde se desploma sin conocimiento en pleno escenario. Es intervenida quirúrgicamente y vuelve a París para recuperarse, sin embargo, dos años después regresa a escena para salvar el teatro Olympia de París, que se encontraba con problemas financieros y amenazado de cierre, finalidad que consigue tras una serie de conciertos y donde estrena su nueva canción de fama, escrita por Charles Dumont, “Non, je ne regrette rien”.

Pero Edith se mantiene gracias a la morfina y su existencia se sume en la tortuosa y solitaria senda de la enfermedad, aún así, vuelve a contraer matrimonio en 1962 con otro joven cantante de 26 años, Theo Sarapo, a quien, según sus propias palabras, ve como un hijo que cuida de su enferma y anciana madre. Edith Piaf muere el 11 de octubre de 1963 en la villa de Plascassier, en la Costa Azul, a causa de un cáncer hepático, tenía 47 años. Fue enterrada en París aclamada por una inmensa muchedumbre como una de las cantantes más queridas y conocidas de Francia, a pesar de la negativa de la Iglesia católica a realizar una ceremonia religiosa en su sepelio por considerarla pecadora al estar divorciada… Esta fantástica mujer quien, saliendo de los estratos sociales más bajos, logró encumbrarse a lo más alto de la música mundial de su época, descansa, en el cementerio de Père Lachaise de París, de una vida intensamente vivida hasta el último momento.

JUANA LA VIDA DE UNA HEREJE QUE SE CONVIRTIÓ EN SANTA

Juana nació en una familia campesina adinerada en Domrémy , en el noreste de Francia. En 1428, solicitó ser llevada ante Carlos VII, y más tarde testificó que fue guiada por visiones del arcángel Miguel , Santa Margarita y Santa Catalina para ayudarlo a salvar a Francia de la dominación inglesa. Convencido de su devoción y pureza, Carlos envió a Juana, que tenía unos diecisiete años, a Orleans como parte de un ejército de socorro. Llegó a la ciudad en abril de 1429, blandiendo su estandarte y llevando esperanza al desmoralizado ejército francés. Nueve días después de su llegada, los ingleses abandonaron el asedio. Juana animó a los franceses a perseguir agresivamente a los ingleses durante la Campaña del Loira , que culminó en otra victoria decisiva en Patay , abriendo el camino para que el ejército francés avanzara sobre Reims sin oposición, donde Carlos fue coronado como rey de Francia con Juana a su lado. Estas victorias levantaron la moral francesa, allanando el camino para su triunfo final en la Guerra de los Cien Años varias décadas después.

Tras la coronación de Carlos, Juana participó en el fallido asedio de París en septiembre de 1429 y en el fallido asedio de La Charité en noviembre. Su papel en estas derrotas redujo la fe de la corte en ella. A principios de 1430, Juana organizó una compañía de voluntarios para socorrer a Compiègne , que había sido sitiada por los borgoñones , aliados franceses de los ingleses. Fue capturada por las tropas borgoñonas el 23 de mayo. Tras intentar escapar sin éxito, fue entregada a los ingleses en noviembre. Fue sometida a juicio por el obispo Pierre Cauchon por acusaciones de herejía , que incluían blasfemar vistiendo ropas de hombre, actuar según visiones demoníacas y negarse a someter sus palabras y acciones al juicio de la Iglesia. Fue declarada culpable y quemada en la hoguera el 30 de mayo de 1431, a los diecinueve años aproximadamente.

En 1456, un tribunal inquisitorial reinvestigó el juicio de Juana y anuló el veredicto, declarando que estaba contaminado por engaños y errores de procedimiento. Juana ha sido descrita como una miembro obediente de la Iglesia católica , una de las primeras feministas y un símbolo de libertad e independencia. Es venerada popularmente como mártir. Tras la Revolución Francesa , se convirtió en un símbolo nacional de Francia. En 1920, Juana de Arco fue canonizada por el papa Benedicto XV y, dos años después, declarada una de las santas patronas de Francia. Aparece representada en numerosas obras culturales , como la literatura, la música, la pintura, la escultura y el teatro.

POSEÍDA: LA VIDA DE JOAN CRAWFORD

En Possessed , su tema es la inimitable Joan Crawford, una de las divas más electrizantes de la Edad de Oro del cine estadounidense. Un retrato más completo, revelador y comprensivo de la a menudo difamada estrella de cine, quizás especialmente criticada en el escandaloso bestseller, Mommy Dearest , Possessed es un fascinante estudio de la verdadera Joan Crawford, una notable actriz, empresaria, madre y amante.

Joan Crawford fue una de las estrellas de cine más brillantes de todos los tiempos, pero también una de las más incomprendidas. En esta biografía brillantemente investigada, reflexiva e íntima, el autor superventas Donald Spoto va más allá de la caricatura popular —la madre abusiva e inestable de las memorias de su hija adoptiva Christina Crawford, Mommie Dearest— para ofrecernos un retrato tridimensional de una mujer muy humana, su deslumbrante carrera y su vida y época extraordinariamente dramáticas. Iluminadora y entretenida, Possessed es la biografía definitiva de esta mujer extraordinaria y una auténtica leyenda del cine.

Conozco gente que ha visto o leído "Queridísima Mamá", pero que aún no ha visto una película de Joan Crawford y la considera una broma o una persona terrible. En "Poseída: La vida de Joan Crawford", Donald Spoto argumenta de forma muy convincente que Crawford, fallecida y, por lo tanto, incapaz de defenderse, fue injustamente incriminada por su hija adoptiva después de que Crawford la excluyera de su testamento, citando a las gemelas adoptivas de la actriz y a otros amigos y conocidos que estuvieron presentes durante los años en cuestión. Myrna Loy, amiga de Crawford, por ejemplo, quien no solo visitaba con frecuencia la casa de Crawford durante los años de formación de Christina, sino que también la acompañó de gira en "Descalzos por el parque" muchos años después, dice en su autobiografía: "Cuando estaba con Christina, agradecía no haber tenido hijos". Tan importante como la restauración del carácter, la integridad y la generosidad de Crawford por parte de Spoto, Spoto la devuelve al lugar que le corresponde como una de las grandes actrices del cine estadounidense al examinar a fondo su dilatada carrera cinematográfica y revelar el papel tan activo que desempeñó entre bastidores en muchas de sus mejores películas. Absorbente y bien escrita, este es el primer intento real de aclarar las cosas. Spoto no edulcoró a Crawford, pero dejó claro que no era un monstruo y que merece respeto.

Un libro repleto de datos sobre una de las leyendas del cine estadounidense. Joan era hermosa, feroz y decidida. Nunca parecía bajar los estándares y no toleraba que nadie fuera menos que profesional. Me maravillaba su resistencia, su constante superación y evolución. No tenía ni idea de que fuera tan generosa y caritativa, ni de que tuviera amigos para toda la vida; supongo que "Mamá Querida" le restó algo de brillo a su estrella.

Este libro sin duda cambió mi visión de Joan Crawford, no solo como una actriz y bailarina destacada y excelente, sino también como una mujer encantadora. Como para muchos otros, el libro de mala calidad "Queridísima Mamá", escrito por su hija adoptiva Christina, influyó en mi juicio, al igual que los numerosos detractores de la postura de "Joan contra Bette". Donald Spoto hizo un excelente trabajo limpiando su buen nombre y su legado.

LOS REDGRAVE: UNA EPOPEYA FAMILAR

La dramática, conmovedora y reveladora saga de los Redgrave, una de las familias de actores más importantes de la historia.

Durante más de un siglo, los Redgrave han definido el teatro y el cine, cautivando al público. Su historia es un rico tapiz de individuos de singular talento cuya influencia se siente hasta el día de hoy, pero su historia nunca antes se había contado. En "Los Redgrave", el exitoso biógrafo Donald Spoto se basa en su estrecha relación personal con la familia e incluye tanto sus entrevistas como un acceso personal sin precedentes a ellos. El resultado es un relato innovador de este extraordinario clan y su círculo, que incluye a figuras destacadas como Elizabeth Taylor, Katharine Hepburn y Sir Laurence Olivier.

La historia comenzó en 1907 con el matrimonio de la actriz Daisy Scudamore con el ídolo de las matinés Roy Redgrave y el nacimiento en 1908 de su hijo, Michael, quien se convirtió en un famoso actor de teatro y estrella de cine. La familia de Michael y su círculo social sabían que durante décadas había sido insistentemente bisexual, a pesar de su matrimonio con Rachel Kempson, una de las actrices más glamurosas y admiradas de Inglaterra.

Su hija Vanessa, una gran y venerada intérprete, es la única actriz británica en ganar premios Óscar, Emmy, Tony, Cannes, Globos de Oro y del Sindicato de Actores de Cine; logros que se han visto acompañados de un profundo compromiso humanitario, incluso al afrontar papeles difíciles y controvertidos.

La hermana de Vanessa, Lynn Redgrave, también llevó una vida triunfal y compleja a su manera. Desde su actuación en la película Georgy Girl hasta su premiada obra sobre su padre y su actuación nominada al Óscar en Dioses y Monstruos, Lynn se consolidó como una Redgrave muy diferente.

Corin Redgrave, su hermano, era conocido por sus aclamadas actuaciones en teatro y cine, y era un radical político incansable y franco.

La tradición familiar de distinción continúa con las carreras de Joely Richardson y Jemma Redgrave y alcanzó un punto álgido en la vida y la carrera de la hija de Vanessa, Natasha Richardson, quien ganó un premio Tony por su papel de Sally Bowles en la reposición de Cabaret . La repentina muerte de Natasha, tras una clase de esquí en 2009, conmocionó y entristeció a los admiradores de su obra y su espíritu agraciado.

Fruto de más de treinta años de investigación, The Redgraves relata la saga épica de una familia que ha ampliado las posibilidades de los actores en el teatro, el cine y la televisión en Gran Bretaña, Estados Unidos y en todo el mundo.

NOTORIO. LA VIDA DE INGRID BERGMAN

Ingrid Bergman ​​(29 de agosto de 1915 - 29 de agosto de 1982) fue una actriz sueca. Con una carrera que abarca cinco décadas,  Bergman es a menudo considerada como una de las figuras de pantalla más influyentes en la historia del cine. Ganó numerosos galardones , incluidos tres Premios de la Academia , dos Premios Primetime Emmy , un Premio Tony , cuatro Premios Globo de Oro , Premio BAFTA y una Copa Volpi . Es una de las cuatro actrices que han recibido al menos tres Premios de la Academia a la actuación (solo Katharine Hepburn tiene cuatro).

Nacida en Estocolmo de padre sueco y madre alemana, Bergman comenzó su carrera como actriz en películas suecas y alemanas. Su introducción al público estadounidense llegó en la nueva versión en inglés de Intermezzo (1939). Conocida por su belleza naturalmente luminosa, protagonizó Casablanca (1942) como Ilsa Lund. Las actuaciones notables de Bergman en la década de 1940 incluyen los dramas Por quién doblan las campanas (1943), Luz de gas (1944), Las campanas de Santa María (1945) y Juana de Arco (1948), todos los cuales le valieron nominaciones al Premio de la Academia a la Mejor Actriz ; ganó por Luz de gas . Hizo tres películas con Alfred Hitchcock : Spellbound (1945), Notorious (1946) y El reino de Capricornio (1949).

En 1950, protagonizó Stromboli de Roberto Rossellini , estrenada tras la revelación de que tenía un romance con Rossellini; eso y su embarazo antes de su matrimonio crearon un escándalo en los EE. UU. que la impulsó a permanecer en Europa durante varios años. Durante este tiempo, protagonizó Europa '51 y Viaje a Italia (1954) de Rossellini, la primera de las cuales le valió la Copa Volpi a la mejor actriz . La Copa Volpi no le fue otorgada en 1952 porque fue doblada (por Lydia Simoneschi ) en la versión presentada en el Festival; [ 4 ] fue galardonada póstumamente en 1992, y el premio fue aceptado por su hijo Roberto Rossellini. [ 5 ] Regresó a Hollywood, ganando dos Premios de la Academia más por sus papeles en Anastasia (1956) y Asesinato en el Orient Express (1974). Durante este período también protagonizó Indiscreet (1958), Cactus Flower (1969) y Sonata de otoño (1978), recibiendo su sexta nominación a Mejor Actriz.

Bergman ganó el Premio Tony a la Mejor Actriz de Obra por la obra de Maxwell Anderson , Juana de Lorena (1947). También ganó dos Premios Emmy a la Mejor Actriz Principal en una Miniserie o Película por Otra Vuelta de Tuerca (1960) y Una Mujer Llamada Golda (1982). En 1974, Bergman descubrió que padecía cáncer de mama, pero continuó trabajando hasta poco antes de su muerte, en su sexagésimo séptimo cumpleaños en 1982. Bergman hablaba cinco idiomas: sueco, inglés, alemán, italiano y francés, y actuó en cada uno. En 1999, el American Film Institute la reconoció como la cuarta mayor leyenda femenina del cine clásico de Hollywood . 

Ingrid Bergman nació el 29 de agosto de 1915 en Estocolmo, hija de padre sueco, Justus Samuel Bergman,  y madre alemana , Frieda "Friedel" Henriette Auguste Louise Bergman ( de soltera Adler), nacida en Kiel . Sus padres se casaron en Hamburgo el 13 de junio de 1907. Recibió su nombre en honor a la princesa Ingrid de Suecia . Aunque se crio en Suecia, pasaba los veranos en Alemania y hablaba alemán con fluidez. 

Bergman fue criada como hija única, ya que dos hermanos mayores habían fallecido en la infancia antes de que ella naciera. Su madre falleció cuando tenía dos años y medio. De niña, aprendió a crear amigos imaginarios. Justus Bergman quería que su hija se convirtiera en estrella de la ópera y la hizo tomar clases de canto durante tres años. La envió a la Palmgrenska Samskolan , una prestigiosa escuela para niñas en Estocolmo, donde, según se dice, Bergman no era ni una buena estudiante ni popular. 

Justus era fotógrafo y le encantaba documentar los cumpleaños de su hija con su cámara. Hizo de su hija uno de sus modelos fotográficos favoritos. Disfrutaba bailando, disfrazándose y actuando frente a las cámaras de su padre. «Fui quizás la niña más fotografiada de Escandinavia», bromeó Bergman en sus últimos años. En 1929, cuando Bergman tenía unos 14 años, su padre falleció de cáncer de estómago. Perder a sus padres a tan temprana edad fue un trauma que Bergman describió más tarde como «vivir con un dolor», una experiencia de la que ni siquiera era consciente. 

Tras la muerte de su padre, Bergman fue enviada a vivir con su tía paterna, Ellen, quien falleció seis meses después de una enfermedad cardíaca. Bergman vivió entonces con su tío paterno Otto y su esposa Hulda, quienes tuvieron cinco hijos. También visitó a su tía materna, Elsa Adler, a quien la joven llamaba Mutti (Mamá), según la tradición familiar.  Más tarde declaró: «He querido ser actriz desde que tengo memoria», a veces vistiendo la ropa de su difunta madre y representando obras en el estudio vacío de su padre. 

Bergman hablaba sueco y alemán como lenguas maternas , inglés e italiano (adquiridos posteriormente, durante su estancia en Estados Unidos e Italia), y francés (aprendido en la escuela). Actuó en cada uno de estos idiomas en diversas ocasiones. 

Bergman recibió una beca para la Real Academia de Formación Dramática , patrocinada por el estado , donde Greta Garbo había obtenido una beca similar años antes. Tras varios meses, le ofrecieron un papel en una nueva obra, Ett Brott ( Un Crimen ), escrita por Sigfrid Siwertz . Esto era totalmente contrario a los procedimientos de la escuela, donde se esperaba que las alumnas completaran tres años de estudio antes de obtener este tipo de papeles. Durante sus primeras vacaciones de verano, Bergman fue contratada por el estudio cinematográfico sueco Svensk Filmindustri , lo que la llevó a dejar el Real Teatro Dramático después de tan solo un año para dedicarse por completo al cine. 

La primera experiencia cinematográfica de Bergman fue como extra en la película Landskamp de 1932 , una experiencia que describió como "caminar en tierra santa".  Su primer papel con diálogo fue un pequeño papel en Munkbrogreven (1935).  Bergman interpretó a Elsa, una criada de un hotel de mala muerte, perseguida por el protagonista, Edvin Adolphson . Los críticos la describieron como "corpulenta y segura de sí misma", y "algo gorda... con una forma inusual de decir sus diálogos". El traje de rayas poco favorecedor que llevaba pudo haber contribuido a los comentarios desfavorables sobre su apariencia. Poco después de Munkbrogreven , a Bergman le ofrecieron un contrato con un estudio y la pusieron bajo la dirección de Gustaf Molander . 

Bergman protagonizó Ocean Breakers , donde interpretó a la hija de un pescador, y luego Swedenhielms , donde tuvo la oportunidad de trabajar junto a su ídolo Gösta Ekman . Posteriormente, protagonizó La noche de Walpurgis (1935). Interpretó a Lena, una secretaria enamorada de su jefe, Johan, quien está infelizmente casado. A lo largo de la película, Lena y su esposa compiten por el afecto de Johan, y al final, la esposa pierde a su marido a manos de Lena. 

En 1936, en On the Sunny Side ( På Solsidan  [ sv ] ), Bergman fue elegida para interpretar a una huérfana de buena familia que se casa con un caballero rico y mayor. También en 1936, apareció en Intermezzo , su primera actuación principal, donde se reencontró con Gösta Ekman. Esta fue una película crucial para la joven actriz y le permitió demostrar su talento. El director Molander dijo más tarde: «Creé Intermezzo para ella, pero no fui responsable de su éxito. La propia Ingrid lo hizo exitoso».  En 1938, protagonizó Only One Night , interpretando a una mujer de clase alta que vivía en una finca rural. No le gustó el papel, calificándolo de «una basura».  Solo aceptó aparecer si podía protagonizar el siguiente proyecto cinematográfico del estudio, En kvinnas ansikte .  Posteriormente actuó en Dollar (1938), una comedia disparatada escandinava. Bergman acababa de ser elegida la estrella de cine más admirada de Suecia el año anterior y ocupaba el primer puesto en los créditos. El periódico Svenska Dagbladet escribió en su reseña: «La apariencia felina de Ingrid Bergman como la esposa de un magnate industrial las eclipsa a todas». 

En su siguiente película, un papel creado especialmente para ella,  En kvinnas ansikte ( Un rostro de mujer ), actuó en contra de su casting habitual, como un personaje amargado y antipático, cuyo rostro había sido horriblemente quemado. Anna Holm es la líder de una banda de chantaje que tiene como objetivo a la gente adinerada de Estocolmo por su dinero y joyas. La película requirió que Bergman usara maquillaje pesado, así como pegamento, para simular un rostro quemado. Se colocó un aparato ortopédico para distorsionar la forma de una mejilla. En su diario, llamó a la película "mi propia imagen, mi propia imagen. He luchado por ella". Los críticos amaron su actuación, citándola como una actriz de gran talento y confianza. La película recibió una Recomendación Especial en el Festival de Cine de Venecia de 1938 , por su "contribución artística general". Fue rehecha en 1941 por Metro-Goldwyn-Mayer con el mismo título, protagonizada por Joan Crawford . 

Bergman firmó un contrato de tres películas con UFA, la principal productora cinematográfica alemana, aunque solo rodó una. En ese momento estaba embarazada, pero aun así llegó a Berlín para comenzar a rodar Los cuatro compañeros ( Die vier Gesellen ) (1938), dirigida por Carl Frölich . La película pretendía ser un vehículo estelar para lanzar la carrera de Bergman en Alemania.  En la película, interpretó a una de cuatro jóvenes ambiciosas que intentaban fundar una agencia de diseño gráfico. La película era una alegre combinación de comedia y romance. Al principio, no comprendía la situación política y social de Alemania. Más tarde, comentó: «Enseguida me di cuenta de que si alguien era alguien en el cine, tenía que ser miembro del partido nazi». En septiembre, regresó a Suecia y dio a luz a su hija, Pia. Nunca más volvería a trabajar en Alemania. 

Bergman apareció en once películas en su Suecia natal antes de cumplir veinticinco años. Sus personajes siempre estaban plagados de incertidumbre, miedo y ansiedad. Las primeras películas suecas no fueron obras maestras,  pero trabajó con algunos de los mayores talentos de la industria cinematográfica sueca, como Gösta Ekman, Karin Swanström, Victor Sjöström y Lars Hanson. Esto demostró su inmenso talento actoral, como una joven con un futuro brillante por delante. 

El primer papel actoral de Bergman en los Estados Unidos fue en Intermezzo: A Love Story de Gregory Ratoff , que se estrenó el 22 de septiembre de 1939. Aceptó la invitación del productor de Hollywood David O. Selznick , quien deseaba que protagonizara la nueva versión en inglés de su anterior película sueca Intermezzo (1936). Incapaz de hablar inglés e insegura de su aceptación por parte del público estadounidense, esperaba completar esta película y regresar a su hogar en Suecia. Su esposo, Petter Aron Lindström, permaneció en Suecia con su hija Pia (nacida en 1938).  En Intermezzo , interpretó el papel de una joven pianista acompañante, frente a Leslie Howard , quien interpretó a un famoso virtuoso del violín. Bergman llegó a Los Ángeles el 6 de mayo de 1939 y se quedó en la casa de Selznick hasta que pudo encontrar otra residencia.

Según Danny, el hijo de Selznick, quien era un niño en ese momento, su padre tenía dudas sobre Bergman: «No hablaba inglés, era demasiado alta, su nombre sonaba demasiado alemán y tenía las cejas demasiado pobladas». Bergman fue aceptada rápidamente sin tener que modificar su apariencia ni su nombre, a pesar de algunas sugerencias iniciales de Selznick. «La dejó hacer lo que quería», señala un artículo en la revista Life . Selznick comprendió su miedo a los maquilladores de Hollywood, que podrían convertirla en alguien a quien no reconocería, y «les ordenó que la dejaran». También era consciente de que su belleza natural competiría con éxito con la «ostentación artificial» de Hollywood. 

Durante las semanas siguientes, mientras se rodaba Intermezzo , Selznick también rodaba Lo que el viento se llevó . En una carta a William Hebert, su director de publicidad, Selznick describió algunas de sus primeras impresiones de Bergman:

La señorita Bergman es la actriz más meticulosa con la que he trabajado, ya que no piensa en nada más que en su trabajo antes y durante la filmación... Prácticamente nunca sale del estudio, e incluso sugirió que equiparan su camerino para poder vivir allí durante la película. Nunca, ni por un minuto, sugiere salir a las seis ni nada por el estilo... Debido a que cuatro estrellas actuaron en Lo que el viento se llevó , nuestros camerinos estaban todos ocupados y tuvimos que asignarle una suite más pequeña. Se emocionó y dijo que nunca había tenido una suite así en su vida... Todo esto es completamente natural y único, y creo que constituiría un gran enfoque para su publicidad... de modo que su dulzura natural, consideración y meticulosidad se convierten en una leyenda... y está en total consonancia con la personalidad y apariencia frescas y puras que me llevaron a contratarla. 

Intermezzo se convirtió en un éxito rotundo y, como resultado, Bergman se convirtió en una estrella. Ratoff dijo: «Es sensacional». Este era el «sentimiento de todo el equipo», escribió una retrospectiva, añadiendo [ vago ] que los trabajadores se desvivían por hacer las cosas por ella y que el elenco y el equipo «admiraban la rápida y atenta concentración que demostraba en la dirección y en sus diálogos». [ 18 ] El historiador de cine David Thomson señala que esto se convirtió en «el inicio de un impacto asombroso en Hollywood y Estados Unidos», donde su falta de maquillaje contribuyó a un «aire de nobleza». Según Life , la impresión que dejó en Hollywood, tras su regreso a Suecia, fue la de una chica alta «de cabello castaño claro y ojos azules, dolorosamente tímida, pero amigable, con una sonrisa cálida, directa y rápida». 

Selznick apreciaba su singularidad. Bergman fue aclamada como un talento emergente y recibió numerosas críticas positivas. El New York Times destacó su "frescura, sencillez y dignidad natural" y la madurez de su actuación, que, sin embargo, carecía de "rasgos estilísticos —manerismos, posturas, inflexiones precisas— que se convierten en el recurso de la actriz madura". Variety señaló que era cálida y convincente, y ofreció una "actuación cautivadora", y que su "encanto, sinceridad" y "vivacidad contagiosa" le serían útiles tanto en la comedia como en el drama. También se reconoció su apariencia natural, en contraste con otras actrices de cine. El crítico del New York Tribune escribió: "Sin apenas maquillaje, pero jugando con una intensidad emotiva, crea el personaje de forma tan vívida y creíble que se convierte en el núcleo de la narrativa". Bergman debutó en el escenario en 1940 con Liliom , junto a Burgess Meredith , en una época en la que aún estaba aprendiendo inglés. Selznick temía que el valor de su nueva estrella disminuyera si recibía malas críticas. Brooks Atkinson, de The New York Times, comentó que Bergman parecía estar a gusto y dominó el escenario esa noche. Ese mismo año protagonizó Juninatten ( Noche de junio ), una película dramática en sueco dirigida por Per Lindberg . Interpreta a Kerstin, una mujer a quien su amante le disparó. La noticia llega a la prensa nacional. Kerstin se muda a Estocolmo con el nuevo nombre de Sara, pero vive bajo el escrutinio y la atenta mirada de su nueva comunidad. El Öresunds-Posten escribió: «Bergman se consolida como una actriz perteneciente a la élite mundial». 

Bergman fue cedida por la compañía de David O. Selznick para aparecer en tres películas que se estrenaron en 1941. El 18 de febrero, Robert Sherwood Productions estrenó su segunda colaboración con Gregory Ratoff, Adam Had Four Sons . El 7 de marzo, Metro-Goldwyn-Mayer estrenó Rage in Heaven de WS Van Dyke . El 12 de agosto, Dr. Jekyll and Mr. Hyde de Victor Fleming , otra producción de Metro-Goldwyn-Mayer, se estrenó en Nueva York. Se suponía que Bergman interpretaría el papel de la "chica buena" de la prometida del Dr. Jekyll, pero le rogó al estudio que interpretara a la "chica mala" Ivy, la descarada camarera. Las críticas señalaron que "ofreció una actuación finamente matizada". Una reseña del New York Times afirmó que "la joven actriz sueca demuestra una vez más que un talento brillante a veces puede elevarse por encima de un papel imposiblemente escrito". Otra reseña decía: "muestra una astuta combinación de encanto, comprensión, moderación y gran capacidad actoral". 

El 30 de julio de 1941, en el Teatro Lobero de Santa Bárbara, Bergman hizo su segunda aparición en escena en Anna Christie . Fue elogiada por su interpretación de prostituta en la obra basada en la obra de Eugene O'Neill. Un periódico de San Francisco la calificó de natural. Selznick la llamó "La Garbo de Palmolive ", en referencia a una popular telenovela y a una reconocida actriz sueca de la época. Thornton Delaharty dijo: "Almorzar con Ingrid es como sentarse a conversar durante una hora con una orquídea inteligente". 

Casablanca , de Michael Curtiz , se estrenó el 26 de noviembre de 1942. Bergman coprotagonizó la película con Humphrey Bogart ; este sigue siendo su papel más conocido. Interpretó a Ilsa, el antiguo amor de Rick Blaine y esposa de Victor Laszlo, que huye con Laszlo a Estados Unidos. La película se estrenó el 26 de noviembre de 1942 en el Hollywood Theater de Nueva York . The Hollywood Reporter escribió: «Los acontecimientos están grabados con un humor agudo y deliciosos toques de sátira política». Su estreno fue más general en enero de 1943. Casablanca no fue una de las actuaciones favoritas de Bergman. «Hice muchas películas que eran más importantes, pero la única de la que la gente quiere hablar es aquella con Bogart». [Años después, declaró: «Siento que Casablanca tiene vida propia. Tiene algo místico. Parece haber llenado una necesidad, una necesidad que existía antes de la película, una necesidad que la película satisfizo». A pesar de sus opiniones personales sobre su actuación, Bosley Crowther, de The New York Times, escribió que «Bergman estuvo sorprendentemente encantadora, nítida y natural... e ilumina los pasajes románticos con un brillo cálido y genuino». Otros críticos dijeron que «interpreta a la heroína con... atractiva autoridad y belleza» e «ilumina cada escena en la que aparece», comparándola con «una Garbo juvenil».  

Por quién doblan las campanas se estrenó en Nueva York el 14 de julio de 1943. Con el constante impulso de Selznick, interpretó el papel de María; también fue su primera película en color. Por el papel, recibió su primera nominación al Premio de la Academia a la Mejor Actriz . La película fue una adaptación de la novela homónima de Ernest Hemingway y coprotagonizada por Gary Cooper . Cuando el libro se vendió a Paramount Pictures , Hemingway declaró que «la señorita Bergman, y nadie más, debería interpretar el papel». Su opinión surgió tras verla en su primer papel estadounidense, Intermezzo . Se conocieron unas semanas después y, tras observarla, declaró: «¡Tú eres María!». James Agee , escribiendo en The Nation , dijo que Bergman «tiene un parecido asombroso con un ser humano imaginable; realmente sabe cómo actuar, en una mezcla de gracia poética con un realismo sereno, algo que casi nunca aparece en las películas estadounidenses». Habla conmovedoramente de la confesión de violación de su personaje y de su escena de despedida, "que es desgarradora de ver". Agee creía que Bergman había estudiado a fondo cómo podría sentirse y verse María en la vida real, y no en una película de Hollywood. Su actuación es a la vez "devastadora y maravillosa de ver". 

Gaslight se estrenó el 4 de mayo de 1944.  Bergman ganó su primer Premio de la Academia a la Mejor Actriz por su actuación. Bajo la dirección de George Cukor , interpretó a una "esposa llevada al borde de la locura" por su esposo, interpretado por Charles Boyer . La película, según Thomson, "fue la cima de su gloria en Hollywood".   Los críticos destacaron su actuación empática y emotiva, y su moderación, impidiendo que sus emociones "se desvanecieran en la histeria". El New York Journal-American la calificó como "una de las mejores actrices del cine" y afirmó que "ardía de pasión y se desploma en la depresión hasta que el público se queda rígido en sus butacas". 

Las campanas de Santa María se estrenó el 6 de diciembre de 1945. Bergman interpretó a una monja junto a Bing Crosby , por la que recibió su tercera nominación consecutiva a Mejor Actriz. Crosby interpreta a un sacerdote asignado a una escuela católica romana donde tiene conflictos con la directora, interpretada por Bergman. El crítico Nathan Robin comentó: «La lacónica naturalidad de Crosby resalta la picardía que se esconde tras la delicadeza de la porcelana fina de Bergman, y Bergman resulta ser un complemento cómico sorprendentemente audaz y vivaz para Crosby». La ​​película fue el mayor éxito de taquilla de 1945. 

Spellbound, de Alfred Hitchcock, se estrenó el 28 de diciembre de 1945. En Spellbound , Bergman interpretó a la Dra. Constance Petersen, una psiquiatra cuyo análisis podría determinar si el Dr. Anthony Edwardes, interpretado por Gregory Peck , es culpable de asesinato. El artista Salvador Dalí fue contratado para crear una secuencia onírica, pero Selznick cortó gran parte de lo filmado.  Durante la película, tuvo la oportunidad de aparecer con Michael Chéjov , quien fue su profesor de interpretación durante la década de 1940. Esta sería la primera de tres colaboraciones que tuvo con Hitchcock. 

Después, Bergman protagonizó Saratoga Trunk , con Gary Cooper, una película rodada originalmente en 1943, pero estrenada el 30 de marzo de 1946. Primero se estrenó para las fuerzas armadas en el extranjero. En deferencia a películas patrióticas y de temática bélica más oportunas, Warner Bros retrasó el estreno en cines en Estados Unidos. El 6 de septiembre se estrenó Notorious de Hitchcock .  En ella, Bergman interpretó a una espía estadounidense, Alicia Huberman, a quien se le había encomendado la tarea de infiltrarse entre los simpatizantes nazis en Sudamérica . En el camino, se enamoró de su compañero espía, interpretado por Cary Grant . La película también fue protagonizada por Claude Rains en una actuación nominada al Oscar como actor de reparto. Según Roger Ebert , Notorious es la expresión más elegante del estilo visual de Hitchcock.  " Notorious es mi Hitchcock favorito", afirmó. Escribiendo para el BFI , Samuel Wigley la llamó una película "perfecta".  Notorious fue seleccionada por el Registro Nacional de Cine en 2006 como cultural y significativamente importante. 

El 5 de octubre de 1946, Bergman actuó en Juana de Lorena , obra escrita por Maxwell Anderson como una obra dentro de otra obra , en el Teatro Alvin de Nueva York. Las entradas se agotaron para una temporada de doce semanas. Fue el mayor éxito en Nueva York. Después de cada función, la multitud hacía fila para ver a Bergman en persona. Newsweek la nombró «Reina de la Temporada de Broadway». Se dice que recibió aproximadamente 129.000 dólares más el 15% de los ingresos brutos. Associated Press la nombró «Mujer del Año». Gallup la certificó como la actriz más popular de Estados Unidos. 

Under Capricorn se estrenó el 9 de septiembre de 1949, como otra colaboración entre Bergman y Hitchcock. La película está ambientada en la Australia de 1831. La historia comienza cuando Charles Adare, interpretado por Michael Wilding , llega a Nueva Gales del Sur con su tío. Desesperado por encontrar fortuna, Adare conoce a Sam Flusky ( Joseph Cotten ), quien está casado con la amiga de la infancia de Adare, Lady Henrietta (Bergman), una alcohólica encerrada en su mansión. Pronto, Flusky siente celos del afecto de Adare por su esposa. La película recibió reacciones negativas de la crítica. Parte de la negatividad puede haberse basado en la desaprobación del romance de Bergman con el director italiano Roberto Rossellini . Su escandalosa relación se hizo evidente poco después del estreno de la película. 

Stromboli fue estrenada por el director italiano Roberto Rossellini el 18 de febrero de 1950.  Bergman había admirado profundamente dos películas de Rossellini. En 1949, le escribió para expresarle su admiración y sugerirle que hiciera una película con él. Como resultado, fue elegida para Stromboli . Durante la producción, iniciaron una relación y Bergman se embarazó de su primer hijo. 

Este asunto causó un gran escándalo en Estados Unidos, donde Bergman fue denunciada en el Senado . El 14 de marzo de 1950, el senador Edwin C. Johnson insistió en que su otrora actriz favorita "había perpetrado un atentado contra la institución del matrimonio", e incluso llegó a calificarla de "poderosa influencia para el mal". [ 68 ] "La pureza que hacía bromear sobre Santa Bergman cuando interpretó a Juana de Arco", comentó un escritor, "hizo que tanto el público como los senadores estadounidenses se sintieran traicionados al enterarse de su romance con Roberto Rossellini". Art Buchwald , a quien se le permitió leer su correo durante el escándalo, reflexionó en una entrevista: "Oh, ese correo era malo, diez, doce, catorce enormes bolsas de correo. 'Puta sucia'. 'Perra'. 'Hijo de puta'. Y todos eran cristianos quienes lo escribieron". 

Spoto señala que Bergman, en virtud de sus papeles y su imagen cinematográfica, se había colocado «por encima de todo». Había interpretado a una monja en Las campanas de Santa María (1945) y a una santa virgen en Juana de Arco (1948). Bergman declaró posteriormente: «La gente me vio en Juana de Arco y me declaró santa. No lo soy. Solo soy una mujer, un ser humano más». A raíz del escándalo, Bergman regresó a Italia, dejó a su primer marido y atravesó un sonado divorcio y una batalla por la custodia de su hija. Bergman y Rossellini se casaron el 24 de mayo de 1950. 

En Estados Unidos, la película Stromboli fue un fracaso de taquilla, pero tuvo mejores resultados en el extranjero, donde el romance entre Bergman y Rossellini se consideró menos escandaloso. En total, RKO perdió 200.000 dólares con la película. En Italia, recibió el Premio Roma de Cine como mejor película del año.  Sin embargo, la recepción inicial en Estados Unidos fue muy negativa. Bosley Crowther, de The New York Times, comenzó su reseña escribiendo: «Después del interés sin precedentes que ha suscitado la película Stromboli —tratándose, por supuesto, del fatídico drama que Ingrid Bergman y Roberto Rossellini han protagonizado— resulta sorprendentemente decepcionante descubrir que esta película, ampliamente aclamada, es increíblemente floja, inarticulada, aburrida y dolorosamente banal». Crowther añadió que el personaje de Bergman "nunca está dibujado con una definición clara y reveladora, debido en parte a la vaguedad del guión y en parte a la monotonía y aburrimiento con que Rossellini la ha dirigido". 

Como muchas obras maestras del cine, Stromboli se explica plenamente solo en una escena final que armoniza el estado mental de la protagonista con las imágenes. Esta estructura... sugiere una creencia en el poder transformador de la revelación. Obligada a dejar caer su maleta (mucho más modesta que los baúles con los que llegó) mientras asciende al volcán, Karin se ve despojada de su orgullo y reducida —o elevada— a la condición de una niña llorona, una especie de primer ser humano que, despojado de las ataduras del yo, debe aprender a ver y hablar de nuevo desde un «año cero» personal (tomando prestado el título de otra película de Rossellini). 

El Festival de Cine de Venecia clasificó a Stromboli entre las 100 películas italianas más importantes (" 100 film italiani da salvare ") de 1942 a 1978. En 2012, la encuesta de críticos Sight & Sound del British Film Institute también la incluyó entre las 250 mejores películas de todos los tiempos. 

En 1952, Rossellini dirigió a Bergman en Europa '51 , donde interpreta a Irene Girard, quien está angustiada por la muerte repentina de su hijo. Su esposo, interpretado por Alexander Knox, pronto se recupera, pero Irene parece necesitar un propósito en la vida para aliviar su culpa por descuidar a su hijo. 

Rossellini la dirigió en un breve segmento de su documental de 1953, Siamo donne ( Nosotras, las mujeres ) , dedicado a las actrices de cine.  Su biógrafo, Peter Bondanella, señala que los problemas de comunicación durante su matrimonio podrían haber inspirado los temas centrales de sus películas: «soledad, gracia y espiritualidad en un mundo sin valores morales».  En diciembre de 1953, Rossellini la dirigió en la obra Juana de Arco en la hoguera en Nápoles, Italia. Llevaron la obra a Barcelona, ​​Londres, París y Estocolmo. Su actuación recibió, en general, buenas críticas. 

Su siguiente trabajo fue Viaggio in Italia (Viaje a Italia) en 1954. Sigue el viaje de una pareja a Nápoles, Italia, para vender una casa heredada. Atrapados en un matrimonio sin vida, se sienten aún más desconcertados por el estilo de vida de los lugareños.  Según John Patterson de The Guardian , la película inició la Nouvelle Vague francesa.  Martin Scorsese eligió esta película como una de sus favoritas en su cortometraje documental de 2001. El 17 de febrero de 1955, Joan at the Stake se estrenó en la Ópera de Estocolmo. A la obra asistieron el primer ministro y otras figuras teatrales de Suecia. El Swedish Daily informó que Bergman parece vaga, fría y carente de carisma. Bergman se sintió herida por las críticas mayoritariamente negativas de los medios de comunicación de su país natal. Stig Ahlgren fue el más duro cuando la etiquetó como una empresaria inteligente, no como una actriz. "Ingrid es una mercancía, una mercancía deseable que se ofrece en el mercado libre".  Otro trabajo que lanzaron ese año fue Giovanna d'Arco al rogo (Juana de Arco en la hoguera) .

Su último trabajo, en 1954, fue La Paura ( Miedo ) , basada en la obra de teatro Angst (1920), novela corta del escritor austrojudío Stefan Zweig, sobre adulterio y chantaje.  En Miedo , Bergman interpreta a una empresaria que dirige una empresa farmacéutica fundada por su marido ( Mathias Wieman ). Mantiene una aventura con un hombre cuyo examante aparece y la chantajea. La mujer le exige dinero y amenaza con contarle a su marido sobre la aventura si Bergman no le paga. Bajo constantes amenazas, Bergman se ve presionada hasta el punto de suicidarse. 

El uso que Rossellini hizo de una estrella de Hollywood en sus películas típicamente "neorrealistas", en las que normalmente empleaba actores no profesionales, provocó algunas reacciones negativas en ciertos círculos. [ vago ] Rossellini, "desafiando las expectativas del público[,]... empleó a Bergman como si fuera una no profesional", privándola de un guion y de los lujos típicos que se le conceden a una estrella (fontanería, por ejemplo, o peluquería) y obligando a Bergman a actuar "inspirada por la realidad mientras trabajaba", creando lo que un crítico llama "un nuevo cine de introspección psicológica".   Bergman conocía el estilo de dirección de Rossellini antes de filmar, ya que el director le había escrito anteriormente explicándole que trabajaba a partir de "unas pocas ideas básicas, desarrollándolas poco a poco" a medida que avanzaba la película. Rossellini fue entonces acusado de arruinar su exitosa carrera al alejarla de Hollywood, mientras que Bergman fue visto como el impulso para que Rossellini abandonara el estilo estético y las preocupaciones sociopolíticas del neorrealismo. 

Si bien las películas que Bergman dirigió con Rossellini fueron un fracaso comercial, han cosechado gran reconocimiento y atención en los últimos tiempos. Según Jordan Cronk, en su artículo sobre las películas, su trabajo inspiró el inicio de una era cinematográfica moderna. Las películas de Rossellini durante la era Bergman reflexionan sobre cuestiones de psicología compleja, como las que Bergman retrata en películas como Stromboli , Europa '51 y Viaje a Italia . [ 89 ] La influencia de la colaboración entre Bergman y Rossellini se percibe en las películas de Godard , Fellini y Antonioni , y, más recientemente, en las de Abbas Kiarostami y Nuri Bilge Ceylan . [ 89 ] David Kehr, del New York Times, comentó que sus películas se encuentran entre las obras pioneras cuya influencia se percibe en el cine moderno europeo. [ 90 ]

Tras separarse de Rossellini, Bergman protagonizó Elena y sus hombres ( Elena et les Hommes , 1956) de Jean Renoir , una comedia romántica en la que interpretó a una princesa polaca atrapada en intrigas políticas. Bergman y Renoir habían deseado trabajar juntos. En Elena y sus hombres , escrita por Renoir para ella, Bergman interpreta a la princesa polaca Elena Sorokowska, una joven desafortunada. La película fue un éxito en París cuando se estrenó en septiembre de 1956.  Candice Russell comentó que Bergman es lo mejor de la película.  Roger Ebert escribió: «La película trata de algo más: del inusual erotismo de Bergman y de cómo su rostro parece tener una luz interior en la película. ¿Ha habido alguna vez una actriz más sensual en el cine?» 

En 1956, Bergman también protagonizó una adaptación francesa de la obra teatral "Té y simpatía" . Se presentó en el Théâtre de Paris . Narra la historia de un "internado" considerado homosexual. Bergman interpretó a la esposa del director. Ella apoya al joven, se acerca a él y posteriormente mantiene relaciones sexuales con él, como una forma de "probar" y apoyar su masculinidad. Fue un éxito rotundo. 

Twentieth Century Fox había adquirido los derechos de Anastasia , con Anatole Litvak como director. El productor ejecutivo Buddy Adler quería que Bergman, entonces todavía una figura controvertida en Estados Unidos, regresara a la gran pantalla tras siete años de ausencia. Litvak también consideró que sería una excelente actriz para el papel e insistió en que protagonizara la película. Fox aceptó arriesgarse, convirtiéndola en un riesgo de taquilla para interpretar el papel principal. El rodaje se llevaría a cabo en Inglaterra, París y Copenhague. 

Anastasia (1956) narra la historia de una mujer que podría ser la única superviviente de la familia Romanov . Yul Brynner es el general intrigante que intenta hacerla pasar por la única hija superviviente del difunto zar Nicolás II . Espera usarla para cobrar una cuantiosa herencia.Anastasia fue un éxito inmediato. Bosley Crowther escribió en The New York Times : «Es una actuación magníficamente elaborada, digna de un Premio de la Academia y particularmente gratificante considerando la larga ausencia de la señorita Bergman en películas destacadas». 

Con su papel en Anastasia , Bergman regresó triunfalmente a Hollywood (aunque en una película producida en Europa) y ganó el Óscar a la Mejor Actriz por segunda vez. Cary Grant recogió el premio en su nombre. Su director, Anatole Litvak , la describió como «una de las mejores actrices del mundo»:

Ingrid se ve mejor ahora que nunca. Tiene 42 años, pero luce divina. Es una persona sencilla y directa. A pesar de todos sus problemas, se mantuvo firme en su convicción de haber sido fiel a sí misma, lo que la convirtió en una persona excepcional. Es feliz en su nuevo matrimonio, sus tres hijos con Rossellini son hermosos y los adora. 

Después de Anastasia, Bergman protagonizó Indiscreet (1958), una comedia romántica dirigida por Stanley Donen . Interpreta a una exitosa actriz de teatro londinense, Anna Kalman, quien se enamora de Philip Adams, un diplomático interpretado por Cary Grant . La película está basada en la obra " Kind Sir ", escrita por Norman Krasna. Soltero y con ganas de seguir soltero, le confiesa que está casado pero que no puede divorciarse. Cecil Parker y Phyllis Calvert también coprotagonizaron la película. 

Bergman protagonizó posteriormente la película de 1958 "La posada de la sexta felicidad" , basada en la historia real de Gladys Aylward , una misionera cristiana en China que, a pesar de muchos obstáculos, logró ganarse el corazón de los chinos gracias a su paciencia y sinceridad. En la escena culminante de la película, guía a un grupo de niños huérfanos a un lugar seguro para escapar de la invasión japonesa. El New York Times escribió: "La justificación de sus logros no se revela en otras manifestaciones que la apacible belleza, el carácter amable y el encanto cautivador de la señorita Bergman". La película también fue coprotagonizada por Robert Donat y Curd Jurgens. 

Bergman hizo su primera aparición pública en Hollywood tras el escándalo en la 31.ª edición de los Premios Óscar en 1959, como presentadora del premio a la Mejor Película , y recibió una ovación de pie al ser presentada.  Presentó el premio a la Mejor Película junto con Cary Grant, con quien había protagonizado recientemente Indiscreet . Bergman hizo su debut televisivo en un episodio de Startime , un programa antológico que presentaba dramas, comedias musicales y programas de variedades. El episodio fue The Turn of the Screw ,  una adaptación de la novela de terror de Henry James , dirigida por John Frankenheimer . Interpretó a una institutriz de dos niños pequeños que son atormentados por el fantasma de su anterior cuidador. Por esta actuación, recibió el Emmy de 1960 a la mejor interpretación dramática de una actriz.  También en 1960, Bergman fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood con una estrella de cine en 6759 Hollywood Boulevard . 

En 1961, la segunda producción televisiva estadounidense de Bergman, Twenty-four Hours in a Woman's Life , fue producida por su tercer marido, Lars Schmidt .Bergman interpretó a una esposa desconsolada enamorada de un hombre más joven al que conoce desde hace solo 24 horas.  Más tarde protagonizó Goodbye Again como Paula Tessier, una diseñadora de interiores de mediana edad que se enamora del personaje de Anthony Perkins, quince años menor que ella. Paula tiene una relación con Roger Demarest, un mujeriego, interpretado por Yves Montand. Roger ama a Paula, pero se resiste a renunciar a sus costumbres mujeriegos. Cuando Perkins comienza a perseguirla, la solitaria Paula se ve obligada de repente a elegir entre los dos hombres. En su reseña de la película, Bosley Crowther escribió que Bergman no era ni convincente ni interesante en su papel de amante de Perkins. 

En 1962, Schmidt también coprodujo la tercera incursión de su esposa en la televisión estadounidense, Hedda Gabler , realizada para la BBC y la CBS. Interpretó al personaje principal junto a Michael Redgrave y Ralph Richardson . David Duprey escribió en su reseña: «Ver a Bergman y Sir Ralph Richardson en pantalla al mismo tiempo es como mantequilla de cacahuete y chocolate para untar sobre una tostada caliente».  Más tarde ese mismo año, interpretó el papel principal de Hedda Gabler en el Théâtre Montparnasse de París.

El 23 de septiembre de 1964 se estrenó La Visita , basada en la obra de Friedrich Dürrenmatt de 1956, La visita de la antigua dama; una trágica comedia, protagonizada por Bergman y Anthony Quinn. Con un presupuesto de producción de 1,5 millones de dólares, el rodaje se realizó en Capranica, a las afueras de Roma. Interpreta a Karla Zachanassian, la mujer más rica del mundo, que regresa a su ciudad natal en busca de venganza. 

El 13 de mayo de 1965 se estrenó "El Rolls-Royce Amarillo" de Anthony Asquith . Bergman interpreta a Gerda Millett, una adinerada viuda estadounidense que se encuentra con un partisano yugoslavo, Omar Sharif . Por su papel, se dice que recibió 250.000 dólares.  Ese mismo año, aunque conocida principalmente como estrella de cine, Bergman apareció en el West End londinense , trabajando con la estrella teatral Michael Redgrave en "Un mes en el campo" . Interpretó el papel de Natalia Petrovna, una mujer encantadora y testaruda, aburrida de su matrimonio y su vida. Según The Times , "La producción difícilmente habría tenido este atractivo especial sin la presencia de Ingrid Bergman". 

En 1966, Bergman solo actuó en un proyecto: una versión televisiva de una hora de duración de la obra de un solo personaje de Jean Cocteau , La voz humana . Narra la historia de una mujer solitaria en su apartamento hablando por teléfono con su amante, quien está a punto de dejarla por otra mujer. El New York Times elogió su actuación, calificándola de obra maestra. El Times de Londres se hizo eco de la misma opinión, describiéndola como una gran interpretación dramática a través de este desgarrador monólogo. 

En 1967, Bergman participó en un episodio corto de la película antológica sueca Stimulantia . Su segmento, basado en Las joyas de Guy de Maupassant , la reunió con Gustaf Molander.  Posteriormente, More Stately Mansions, de Eugene O'Neill , dirigida por José Quintero , se estrenó el 26 de octubre de 1967. Bergman, Colleen Dewhurst y Arthur Hill interpretaron los papeles principales. El espectáculo se clausuró el 2 de marzo de 1968 tras 142 funciones.  Se informó que miles de espectadores compraron entradas y viajaron por todo el país para ver a Bergman actuar.  Bergman regresó como presentador e intérprete durante la 41.ª edición de los Premios Óscar en 1969. 

Bergman deseaba volver a trabajar en el cine estadounidense tras un largo paréntesis. Protagonizó Cactus Flower, estrenada en 1969, junto a Walter Matthau y Goldie Hawn . En ella, interpretó a una solterona remilgada,  una recepcionista y enfermera dental que está secretamente enamorada de su jefe, el dentista, interpretado por Matthau. Howard Thompson escribió en The New York Times :

La unión de Matthau, cuya virilidad adusta y escarpada ahora suplanta el encanto natural de Barry Nelson , y la ultrafemenina señorita Bergman, en una comedia poco común, resultó inspiradora por algún motivo. La dama es encantadora como un (ahora) "iceberg sueco", ya no joven, que florece radiantemente mientras interfiere con los desatinos románticos del jefe. Las dos estrellas encajan a la perfección.

El 9 de abril de 1970, se estrenó mundialmente " Un paseo bajo la lluvia de primavera" de Guy Green . Bergman interpretó a Libby, la esposa de mediana edad de un profesor neoyorquino ( Fritz Weaver ). Ella lo acompaña en su año sabático en las montañas de Tennessee, donde él pretende escribir un libro. Conoce a un manitas local, Will Cade ( Anthony Quinn ), y ambos sienten una atracción mutua. El guion, del escritor y productor Stirling Silliphant , se basó en la novela romántica de Rachel Maddux . El New York Times escribió en su reseña: "Esforzándose con todas sus fuerzas y luciendo encantadora, la señorita Bergman parece simplemente una mujer petulante que cae en los brazos de Quinn en busca de novedades, por aburrimiento, con su marido, igualmente aburrido, [Weaver], leyendo un libro en su refugio temporal en la montaña". 

El 18 de febrero de 1971, La conversión del capitán Brassbound , una obra basada en la obra de George Bernard Shaw, se estrenó en el teatro londinense. Interpretó el papel de una mujer cuyo marido se ha liado con una mujer de la mitad de su edad. Aunque la obra fue un éxito comercial, la crítica no fue muy receptiva al acento británico de Bergman. 

Apareció en un episodio de The Bob Hope Show en 1972.  Ese mismo año, el senador estadounidense Charles H. Percy presentó una disculpa en el Registro del Congreso por el ataque verbal que Edwin C. Johnson profirió contra Bergman el 14 de marzo de 1950. Percy señaló que había sido víctima de un duro ataque en esta cámara hacía 22 años. Lamentó que la persecución provocara que Bergman abandonara este país en la cima de su carrera. Bergman afirmó que los comentarios habían sido difíciles de olvidar y que la habían llevado a evitar el país durante nueve años.  Aunque había pagado un alto precio, Bergman había hecho las paces con Estados Unidos, según su hija, Isabella Rossellini. 

El 27 de septiembre de 1972 se estrenó From the Mixed-Up Files of Mrs. Basil E. Frankweiler, de Fielder Cook . Interpreta al personaje principal, una reclusa adinerada que se hace amiga de dos niños que buscan un "tesoro" en el Museo Metropolitano de Arte . 

Ese mismo año, Bergman presidió el jurado del Festival de Cine de Cannes de 1973. En una entrevista con The Daytona Beach Sunday News en 1978, recordó este evento porque se reencontró con Ingmar Bergman, quien no era su pariente . Esto le dio la oportunidad de recordarle la carta que le había escrito hacía unos diez años, pidiéndole que la incluyera en una de sus películas. Sabiendo que Ingmar asistiría, hizo una copia de su respuesta de hacía mucho tiempo y se la guardó en el bolsillo. No volvió a responder durante dos años. 

Después, Bergman regresó al West End de Londres y actuó con John Gielgud en La esposa constante, que fue un éxito de crítica; el teatro siempre estuvo lleno. El Daily Telegraph consideró la obra "extrañamente entretenida", mientras que Harold Hobson, de The Sunday Times, seguía molesto con Bergman por interpretar a otra inglesa con un "acento extraño". 

Bergman se convirtió en una de las pocas actrices en recibir tres Óscar al ganar el tercero (y el primero en la categoría de Mejor Actriz de Reparto ) por su actuación en Asesinato en el Orient Express (1974). El director Sidney Lumet le había ofrecido a Bergman el importante papel de la princesa Dragomiroff, con el que creía que podría ganar un Óscar. Ella insistió en interpretar el papel mucho más pequeño de Greta Ohlsson, la anciana misionera sueca. Lumet habló sobre el papel de Bergman:

Había elegido un papel muy pequeño, y no pude convencerla de que cambiara de opinión. ... Como su papel era tan pequeño, decidí filmar una gran escena, donde habla durante casi cinco minutos seguidos, todo en una toma larga. Muchas actrices lo habrían dudado. Le encantó la idea y la aprovechó al máximo. Recorrió toda la gama de emociones. Nunca había visto algo igual. 

En los Premios de la Academia de 1975, el director de cine Jean Renoir iba a recibir un Premio a la Trayectoria por su contribución a la industria cinematográfica. Como estaba enfermo en ese momento, le pidió a Ingrid Bergman que aceptara este premio en su nombre. Bergman pronunció un discurso de aceptación que elogió sus películas y la "compasión que marcó todas sus obras", así como su enseñanza tanto a los jóvenes cineastas como al público.   Aunque había sido nominada para el nuevo Premio a la Mejor Actriz de Reparto, consideró que su papel en Asesinato en el Orient Express era bastante menor y no esperaba ganar. Cuando se anunció el premio, en sus comentarios sorprendidos e improvisados, comentó al público que Valentina Cortese debería haber ganado el premio por su papel en Día por la noche , de Truffaut . Bergman y Cortese pasaron el resto de la noche en compañía el uno del otro y fueron objeto de muchas fotografías.  También en 1975, Bergman asistió al homenaje del AFI a Orson Welles . El público la ovacionó de pie cuando apareció en el escenario. Bromeó diciendo que apenas conocía a Welles y que solo la habían invitado porque trabajaba al otro lado de la calle. 

En 1976, Bergman fue la primera persona en recibir el recién creado César Honorario de Francia , un premio nacional de cine.  También apareció en Una cuestión de tiempo , de Vincente Minnelli , que se estrenó el 7 de octubre de 1976.  Roger Ebert escribió en su reseña:

Una Cuestión de Tiempo es una gran decepción como película, pero como ocasión para la ensoñación, funciona muy bien. Una vez que finalmente abandonamos la trama —una trama serpenteante y confusa—, nos queda la oportunidad de contemplar a Ingrid Bergman a los 60. Y contemplar a Ingrid Bergman a cualquier edad es, en mi opinión, una forma aceptable de pasar el tiempo. 

De 1977 a 1978, Bergman regresó al oeste de Londres con Wendy Hiller en Aguas de la Luna .  Interpretó a Helen Lancaster, una mujer rica y egocéntrica cuyo coche queda atascado en un ventisquero. La obra se convirtió en el nuevo gran éxito de la temporada. 

En 1978, Bergman apareció en Sonata de otoño ( Höstsonaten ), del consumado cineasta sueco Ingmar Bergman (sin parentesco), por la que recibió su séptima y última nominación al Premio de la Academia. No asistió a los premios debido a su enfermedad. Esta fue su última actuación en el cine. La película le dio la oportunidad de trabajar con Liv Ullmann , otra conocida y respetada artista escandinava.  En la película, Bergman interpreta a una pianista famosa, Charlotte, que viaja a Noruega con la intención de visitar a su hija mayor abandonada, Eva, interpretada por Ullmann. Eva está casada con un clérigo y cuidan de su hermana, Helena, que tiene una discapacidad grave, está paralizada y no puede hablar con claridad. Charlotte no ha visitado a ninguna de sus dos hijas durante siete años. Al llegar a la casa de Eva, se sorprende y consterna al saber que su hija menor también está en la residencia, y no sigue en la "casa" de la institución. Muy tarde esa noche, Eva y Charlotte tienen una conversación apasionada y dolorosa sobre su relación pasada. Charlotte se marcha al día siguiente.  La película se rodó en Noruega. 

Bergman luchaba contra el cáncer en el momento del rodaje. Las dos últimas semanas del calendario de rodaje requirieron ajustes debido a una cirugía adicional.  Creyendo que su carrera estaba llegando a su fin, Bergman quería que su canto del cisne fuera honorable. Estaba satisfecha con la abrumadora aclamación de la crítica por Sonata de Otoño . Stanley Kaufmann de The New Republic escribió: "Lo asombroso es la actuación de Bergman. Todos la hemos adorado durante décadas, pero no muchos la hemos considerado una actriz soberbia. Aquí, se exaltó en las manos de un maestro". Newsweek escribió: "Una fuerza expresiva que ni siquiera podemos recordar haber visto desde que Hollywood la atrapó".  The Times (Londres) coincidió en que fue "un tour de force, como el cine rara vez ve".  Tanto Bergman como Ullmann ganaron el Premio de la Crítica Cinematográfica de Nueva York y el premio Donatello de Italia por sus papeles.  Bergman recordó más tarde que Ingmar posiblemente le había dado el mejor papel de su carrera y que nunca volvería a hacer una película. "No quiero bajar a interpretar papeles pequeños. Este debería ser el final". 

En 1979, Bergman presentó la Ceremonia de Premios a la Trayectoria del AFI para Alfred Hitchcock . [Al final del programa, le entregó la llave de la bodega, crucial para la trama de Notorious . «Cary Grant la guardó durante 10 años, luego me la dio, y yo la guardé durante 20 años para la buena suerte y ahora te la doy con mis oraciones», antes de añadir: «Que Dios te bendiga, Hitch».  Bergman fue la invitada de honor en el programa Club All Star Salute de Variety en diciembre de 1979. El espectáculo fue presentado por Jimmy Stewart y contó con la presencia de Cary Grant, Frank Sinatra, Goldie Hawn, Helen Hayes, Paul Henreid y muchos de sus antiguos compañeros de reparto. Fue galardonada con el Illis Quorum , la medalla que el rey de Suecia otorga a artistas de renombre. 

A finales de los años 70, Bergman apareció en varios programas de entrevistas y fue entrevistada por Merv Griffin, David Frost, Michael Parkinson, Mike Douglas, John Russell y Dick Cavett, hablando de su vida y su carrera.

En 1980, Bergman escribió su autobiografía, Ingrid Bergman: Mi Historia , con la ayuda de Alan Burgess . En ella, relata su infancia, sus inicios profesionales, su vida en Hollywood, el escándalo Rossellini y los acontecimientos posteriores. El libro se escribió después de que su hijo le advirtiera que solo se la conocería a través de rumores y entrevistas si no contaba su propia historia. En 1982, recibió la Medalla de Oro David di Donatello del Ministro de Turismo, otorgada por la Academia de Cine Italiano. 

Finalmente, ese mismo año, Bergman protagonizó una miniserie de televisión, " Una mujer llamada Golda" (1982), sobre la fallecida primera ministra israelí Golda Meir . Este sería su último papel como actriz y recibió póstumamente un segundo premio Emmy a la mejor actriz. Bergman se sorprendió al recibir el papel, pero el productor le explicó: "La gente te cree y confía en ti, y eso es lo que quiero, porque Golda Meir se ganó la confianza de la gente". Su hija Isabella añadió: "Eso sí que le interesó a mi madre". También estaba convencida de que Golda era una persona de gran estatura, alguien que la gente asumiría mucho más alta de lo que realmente era. Chandler señala que el papel "también tuvo un significado especial para ella, ya que durante la Segunda Guerra Mundial, Ingrid se sentía culpable por haber juzgado tan mal la situación en Alemania". 

Su hija dijo que Bergman se identificaba con Golda Meir porque ella también se sentía culpable. Bergman intentaba encontrar un equilibrio entre las responsabilidades del hogar y el trabajo, y lidiar con la incapacidad de estar en dos lugares a la vez. El brazo de Bergman estaba terriblemente hinchado por la cirugía de cáncer. Estuvo enferma a menudo durante el rodaje, recuperándose de una mastectomía y la extirpación de ganglios linfáticos. Para ella, como actriz, era importante hacer un gesto de Meir que le obligaba a levantar ambos brazos, pero no podía levantar uno correctamente. Durante la noche, mantenía el brazo apoyado, en una posición incómoda, para que el líquido drenara y le permitiera realizar el importante gesto de su personaje. 

A pesar de sus problemas de salud, rara vez se quejaba ni dejaba ver las dificultades que atravesaba. Cuatro meses después de terminar el rodaje, Bergman falleció el día de su 67.º cumpleaños. Tras su muerte, su hija Pia recogió su Emmy.

UNA CHICA TIENE QUE RESPIRAR. LA VIDA DE TERESA WRIGHT

La actriz Teresa Wright (1918-2005) vivió una vida plena, compleja y magnífica en el contexto de la época dorada de Hollywood, Broadway y la televisión. 

Su infancia, sorprendentemente difícil —de hecho, aterradora—, no auguraba el éxito que vendría después, ni la aclamación y admiración universales que la acompañaron en todas partes. Sus dos matrimonios —con los escritores Niven Busch (El cartero siempre llama dos veces; Duelo al sol) y Robert Anderson (Té y simpatía; Nunca canté para mi padre)— aportan gran parte del drama, la calidez, la intensidad y la angustia de su historia.

Muriel Teresa Wright (27 de octubre de 1918 - 6 de marzo de 2005) fue una actriz estadounidense. Ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto en 1942 por su papel de Carol Beldon en La señora Miniver . Fue nominada al mismo premio en 1941 por su debut en The Little Foxes. También en 1942, recibió una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Actriz por su actuación en El orgullo de los Yankees , junto a Gary Cooper . También es conocida por sus actuaciones en La sombra de una duda (1943) de Alfred Hitchcock y en Los mejores años de nuestra vida (1946) de William Wyler .

Wright recibió tres nominaciones a los premios Emmy por sus actuaciones en la versión televisiva original de The Miracle Worker (1957), de Playhouse 90 , en la película The Margaret Bourke-White Story (1959), del programa Sunday Showcase de la NBC , y en la serie dramática de la CBS Dolphin Cove (1989). Recibió el reconocimiento de destacados directores de cine, entre ellos William Wyler , quien la calificó como la actriz más prometedora que había dirigido, y Alfred Hitchcock, quien admiraba su minuciosa preparación y su discreta profesionalidad.

Muriel Teresa Wright nació el 27 de octubre de 1918 en la ciudad de Nueva York, hija de Martha Espy y Arthur Hendricksen Wright, agente de seguros. Sus padres se separaron cuando era niña. Creció en Maplewood, Nueva Jersey , donde asistió a la escuela secundaria Columbia . Tras ver a Helen Hayes protagonizar Victoria Regina en el Teatro Broadhurst de Nueva York en 1936, Wright se interesó por la actuación y comenzó a interpretar papeles principales en obras escolares.

En otoño de 1939, Wright comenzó una participación de dos años en la obra teatral " Vida con Padre" , interpretando el papel de Mary Skinner. Fue allí donde la descubrió Samuel Goldwyn , quien fue a verla en el espectáculo en el que había estado actuando durante casi un año. Goldwyn recordaría más tarde su primer encuentro con ella entre bastidores:

La señorita Wright estaba sentada en su tocador y parecía una niña pequeña experimentando con los cosméticos de su madre. Descubrí en ella, desde el primer momento, podría decirse, una autenticidad y un atractivo sin afectación. 

Goldwyn contrató inmediatamente a la joven actriz para el papel de la hija de Bette Davis en la adaptación de 1941 de The Little Foxes , de Lillian Hellman , y le firmó un contrato de cinco años con los Estudios Goldwyn. Afirmando su seriedad como actriz, Wright insistió en que su contrato contenía cláusulas únicas para los estándares de Hollywood:

La mencionada Teresa Wright no estará obligada a posar para fotografías en traje de baño a menos que esté en el agua. Tampoco podrá ser fotografiada corriendo por la playa con el pelo al viento. Tampoco podrá posar en ninguna de las siguientes situaciones: en pantalones cortos, jugando con un cocker spaniel; cavando en el jardín; preparando una comida; ataviada con petardos y cohetes en la mano para el 4 de julio; mirando insinuantemente a un pavo para el Día de Acción de Gracias; con un gorro de conejo con orejas largas para la Pascua; brillando sobre nieve artificial con un traje de esquí mientras un ventilador sopla su bufanda; adoptando una postura atlética mientras simula golpear algo con un arco y una flecha. 

En 1941, Wright fue nominada al Óscar a la Mejor Actriz de Reparto por su debut cinematográfico en The Little Foxes . Al año siguiente, volvió a ser nominada, esta vez a Mejor Actriz de Reparto por The Pride of the Yankees , donde actuó junto a Gary Cooper como la esposa de Lou Gehrig . Ese mismo año, ganó el Óscar a la Mejor Actriz de Reparto como la nuera del personaje de Greer Garson en Mrs. Miniver . Wright es la primera de solo nueve actores que han sido nominados en ambas categorías en el mismo año. Sus tres nominaciones al Óscar y una al Óscar en sus tres primeras películas son únicas. Sigue siendo la única intérprete que ha recibido nominaciones al Óscar por sus tres primeras películas. 

En 1943, Wright apareció en la aclamada película de Universal "La sombra de una duda" , dirigida por Alfred Hitchcock , interpretando a una joven que descubre que su querido tío (interpretado por Joseph Cotten ) es un asesino en serie. Hitchcock consideraba a Wright una de las actrices más inteligentes con las que había trabajado y, a través de su dirección, resaltó su vivacidad, calidez e idealismo juvenil, características poco comunes en las heroínas de Hitchcock. En 1946, Wright ofreció otra actuación notable en " Los mejores años de nuestra vida" , de William Wyler , una película premiada sobre la adaptación de los militares que regresan a casa tras la Segunda Guerra Mundial. El crítico James Agee elogió su actuación en "La nación" :

Esta nueva interpretación suya, completamente carente de escenas grandilocuentes, trucos o estridencias —difícilmente se puede considerar actuación—, me parece una de las obras más sabias y hermosas que he visto en años. Si la película no tuviera ninguno de los cientos de otros atractivos que posee, podría verla una docena de veces solo por esa personalidad y su maestría. 

Cuatro años después, aparecería en otra historia sobre veteranos de guerra, The Men (1950) de Fred Zinnemann , protagonizada por Marlon Brando en su debut cinematográfico. En 1947, Wright apareció en el western " Perseguidos" junto a Robert Mitchum . El melancólico "western freudiano" fue escrito por su primer marido, Niven Busch . Al año siguiente, protagonizó " Encantamiento" , una historia de dos generaciones de amantes en romances paralelos. Wright recibió excelentes críticas por su actuación. Newsweek comentó: "La señorita Wright, una de las mejores de la pantalla, brilla como la Cenicienta que cautivó a tres hombres". Y The New York Times concluyó: "Teresa Wright actúa con ese arrebato deslumbrante y mirada brillante que tan notablemente domina". 

En diciembre de 1948, tras rebelarse contra el sistema de estudios que la había llevado a la fama, Wright tuvo una disputa pública con Samuel Goldwyn, que resultó en la cancelación de su contrato con el estudio. En una declaración publicada en The New York Times , Goldwyn alegó como razones su negativa a publicitar la película Enchantment , su falta de cooperación y su negativa a seguir instrucciones razonables.En su respuesta escrita, Wright negó las acusaciones de Goldwyn y no expresó arrepentimiento por haber perdido su contrato de 5.000 dólares semanales.

Quisiera decir que nunca me negué a prestar los servicios que se me exigían; no pude hacerlo por problemas de salud. Acepto la rescisión de mi contrato por parte del Sr. Goldwyn sin protestar; de hecho, con alivio. Los contratos estandarizados en la industria cinematográfica entre actores y productores son arcaicos en su forma y absurdos en su concepto. Estoy decidido a no asociar mi nombre con otro... He trabajado para el Sr. Goldwyn durante siete años porque lo considero un gran productor, y me ha pagado bien, pero en el futuro trabajaré con gusto por menos si así puedo conservar las decencias comunes sin las cuales el trabajo más glorioso se vuelve intolerable. 

Años después, en una entrevista con The New York Post , Wright recordó: «Iba a ser Juana de Arco , y lo único que demostré fue que era una actriz que trabajaría por menos dinero». Por su siguiente película, The Men (1950), en lugar de los 125.000 dólares que había cobrado antes, recibió 20.000. 

En la década de 1950, Wright apareció en varias películas sin éxito, entre ellas The Capture (1950), Something to Live For (1952), California Conquest (1952), The Steel Trap (1952), Count the Hours (1953), The Actress (1953) y Track of the Cat (1954), nuevamente frente a Robert Mitchum . [ cita requerida ] A pesar del pobre desempeño en taquilla de estas películas, Wright generalmente era elogiada por sus actuaciones. [ 3 ] Hacia el final de la década, Wright comenzó a trabajar con más frecuencia en televisión y teatro. Recibió nominaciones al Premio Emmy por sus actuaciones en la versión televisiva original de Playhouse 90 de The Miracle Worker (1957) y en la película de Breck Sunday Showcase The Margaret Bourke-White Story (1960). [ cita requerida ] En 1955, interpretó a Doris Walker en la nueva versión de The 20th Century-Fox Hour de la película de 1947 Milagro en la calle 34 , junto a MacDonald Carey y Thomas Mitchell . En 1957, protagonizó en Broadway la obra " La oscuridad en lo alto de las escaleras", de William Inge . Dirigida por Elia Kazan , la obra tuvo 468 funciones.

El 8 de febrero de 1960, Wright fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood con dos estrellas: una por películas en 1658 Vine Street, y otra por televisión en 6405 Hollywood Boulevard. 

En la década de 1960, Wright regresó a los escenarios neoyorquinos con tres obras: Mary, Mary (1962) en el Teatro Helen Hayes, en el papel de Mary McKellaway; I Never Sang for My Father (1968) en el Teatro Longacre, en el papel de Alice; y Who's Happy Now? (1969) en el Teatro Village South, en el papel de Mary Hallen. Durante este período, realizó giras por Estados Unidos con producciones teatrales de Mary, Mary (1962); Tchin-Tchin (1963), en el papel de Pamela Pew-Picket; y The Locksmith (1965), en el papel de Katherine Butler Hathaway. Además de su trabajo teatral, Wright hizo numerosas apariciones en televisión a lo largo de la década, incluidos episodios de The Alfred Hitchcock Hour (1964) en CBS, Bonanza (1964) en NBC, The Defenders (1964, 1965) en CBS y CBS Playhouse (1969). En 1975, Wright apareció en la reposición de Broadway de Death of a Salesman , y en 1980, apareció en la reposición de Morning's at Seven , por la que ganó un premio Drama Desk como miembro del conjunto destacado.

Apareció en "El Crucero del Amor ", temporada 6, episodio 11, "Una Presencia Navideña", como la Hermana Regina, quien frustra el plan de un estafador para contrabandear oro robado moldeado como un belén pintado. El episodio se emitió el 18 de diciembre de 1982. En 1989, recibió su tercera nominación al Premio Emmy por su actuación en la serie dramática de CBS Dolphin Cove . [ cita requerida ] También apareció en "Se ha escrito un crimen", en el episodio "Las vacaciones del Sr. Penroy". Su último papel en televisión fue en un episodio de la serie dramática de CBS Picket Fences en 1996. 

Las apariciones cinematográficas posteriores de Wright incluyen un papel importante en Somewhere in Time (1980), la abuela en The Good Mother (1988) con Diane Keaton y su papel final como Miss Birdie en The Rainmaker (1997) de John Grisham , dirigida por Francis Ford Coppola .

Wright estuvo casada con el escritor Niven Busch de 1942 a 1952. Tuvieron dos hijos: un hijo, Niven Terence Busch, nacido el 2 de diciembre de 1944; y una hija, Mary-Kelly Busch, nacida el 12 de septiembre de 1947. Se casó con el dramaturgo Robert Anderson en 1959. Se divorciaron en 1978, pero mantuvieron una relación cercana hasta el final de su vida.

En su última década, Wright vivió tranquilamente en su casa de Nueva Inglaterra, en Bridgewater, Connecticut , en el condado de Litchfield , apareciendo ocasionalmente en festivales y foros de cine, así como en eventos relacionados con los Yankees de Nueva York. En 1996, recordó a Alfred Hitchcock en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo , y en 2003, apareció en la gala de los Premios de la Academia en un segmento dedicado a los ganadores del Óscar. 

Su hija, Mary-Kelly, es autora de libros para niños y jóvenes. Wright tiene dos nietos, uno de los cuales, Jonah Smith, coprodujo las películas de Darren Aronofsky , Pi (1998) y Réquiem por un sueño (2000). En 1998, Smith acompañó a Wright en su primera visita al Yankee Stadium , donde fue invitada a lanzar el primer lanzamiento ceremonial. Su aparición en Pride of the Yankees despertó su interés por el béisbol y la llevó a convertirse en aficionada de los Yankees.

Teresa Wright falleció el 6 de marzo de 2005 tras sufrir un infarto a los 86 años en el Hospital Yale-New Haven de Connecticut. Donó su cuerpo a la Facultad de Medicina de Yale antes de ser enterrada en el Cementerio Evergreen de New Haven. 

Cuando se anunció la lista de ex jugadores de los Yankees que habían fallecido en el Día del Veterano el 5 de julio de 2005, se leyó el nombre de Wright entre los jugadores de béisbol y los miembros de la familia de los Yankees.

A Girl's Got to Breathe: The Life of Teresa Wright de Donald Spoto se publicó en febrero de 2016. Spoto fue un amigo cercano de Wright durante más de 30 años, y su familia le dio acceso exclusivo a sus documentos y correspondencia. 

Wright obtuvo una beca para el Teatro Wharf en Provincetown , Massachusetts, donde fue aprendiz durante dos veranos. Tras graduarse de la escuela secundaria en 1938, se fue a Nueva York, acortó su nombre a "Teresa Wright" y fue contratada como suplente de Dorothy McGuire y Martha Scott para el papel de Emily en la producción teatral de Thornton Wilder de Our Town en el Teatro Henry Miller .  Wright asumió el papel cuando Scott se fue a Hollywood para filmar la versión cinematográfica de la obra.

EL LADO OSCURO DEL GENIO: LA VIDA DE ALFRED HITCHCOCK

Esta es la biografía definitiva de Alfred Hitchcock, el enigmático e intensamente reservado director de Psicosis, Vértigo, La ventana indiscreta, Los pájaros y más de cuarenta películas más. 

Al tiempo que describe cada etapa de la larga vida y brillante carrera de Hitchcock, Donald Spoto también explora las raíces de su obsesión por las rubias, la comida, el asesinato y el amor idealizado, y rastrea su incomparable y peculiar genio desde su infancia inglesa hasta los años dorados de su carrera en Estados Unidos, convirtiéndose en uno de los directores más importantes de la historia del cine.